《艺术论文（最新19篇）》
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【摘要】中国的艺术设计兴起于对西方艺术设计的形式模仿，现如今要实现持续发展，须要发掘出内在的力量——有中国特色的艺术设计风格，可喜的是，现在涌现出的很多优秀的艺术设计作品都继承了中国传统文化的元素，不论是中国传统文化的审美风格，还是中国传统绘画的形式，都为中国现代艺术设计注入了新鲜血液，具有中国元素的现代艺术作品都成为了当今中国现代艺术设计中的弄潮儿。本文从三个方面来谈谈现代艺术设计中的中国传统文化元素：现代艺术设计对中国传统绘画技法的借鉴；现代艺术设计中的中国水墨画审美风格；中国传统文化对现代艺术设计的影响。
【关键词】现代艺术设计；传统文化；留白；线描；水墨画
一、现代艺术设计对中国传统绘画技法的借鉴
（一）传统绘画中“留白”技法在现代艺术设计中的应用
“留白”是中国传统绘画中重要的艺术手段和独特的创作形式，中国传统绘画从一开始就没有所谓规定性的视角，文人骚客作画只是兴致所至，没有空间局限，任意角度都可以对身临其境的自然景观进行描绘，在构图布局上讲究的是画面整体性的逸致和美感。“留白”灵活自由的构图方式实现古代文人画家这些作画目的。
在现代平面设计的常用技法中，“留白”与“负空间”以及“空白”这些定义频繁出现，设计师通过对整体布局、空间空白、色彩渲染、尺寸字体等使用来定位视觉焦点，从而达到突出设计主体，夺人眼球，传播设计理念或者产品特色的目的，可见留白在平面设计中是一个十分重要的设计要素。
尤其是国际大牌产品在定位品牌文化时选择的设计通常看起来非常简单，简单背后却又直击人心，形成十分高级而简约的美感。无印良品从创立品牌以来一直主张“less is more”的设计理念，这句话出自20世纪30年代的建筑师——密斯·凡·德罗，就是尽可能地简化一切加诸在产品上的装饰，讲究回到物料最原始的本来面目，反而能够发现更多、更广阔的美感，这同时也是艺术史上极简主义的艺术追求，也体现了留白给现代设计所带来的巨大发展空间。在设计中追求“简约”的美感，是通过不断地进行减法来实现的。在去掉繁复的信息叠加之后，所出现的大面积的安静的空白就是留白，留白便是“简约”的载体。
（二）现代艺术设计中的传统“线描”技法的运用
中国传统绘画艺术，尤其是国画中的工笔画，对线性思维的运用可以说达到了炉火纯青的地步，就是“线的艺术”。线条是中国传统绘画表达艺术形式的重要手段之一，并且在线条的背后有着深刻的文化内涵和意义。中国传统绘画艺术能体现出中国传统文化的特征就是“以线存形”，古代的文人墨客在作画时，线条就是他们造型的基础，娴熟且细致入微地运用线条考验了作画者的功底，进而表达深刻的情感思想。
现代平面设计中线条有千万种的变化，曲直波折，虚实变幻，由此构成的图形世界能够更加多元化地表达现代社会人们的情感需求，具有线条感的设计作品在观者的印象中更加具有现代性，具有强烈的现代艺术形式美感的印象。将绘画中的线条融入到设计中，为现代设计打开了更高阶的大门，让现代设计具有了更丰富的表现形式。另外，将传统中国画运用线条的飘逸感到现代设计作品中，能够打上中国特色的印象，更加丰富作品的思想内涵。
二、现代艺术设计中的中国水墨画审美风格
（一）现代艺术设计实践中对中国水墨画构图和意境的运用
中国画是一种“意象”艺术，“意”起着支配作用，“象”从属于“意”，以“意”造象，一切以“意”为之。中国传统绘画的意境构成法则，也可 悠远缥缈或情感流动的意境，通过一定的精心设计构图，变成动态的可以无限幻化的云天、岚雾、江河、池沼等，既有传统的中国风，又体现了现代艺术设计的意境感。在现代艺术设计中，画面构图的意境化，可以使画面设计空灵有生气，使有限的直观画面充满诸多想象，产生此时无声胜有声的丰富效果，满足现代人更高的精神层面的需求。
（二）现代艺术设计优秀作品中对中国水墨画虚实结合的运用
中国传统绘画，特别是水墨画的画面营造，在表面意象的刻画下，追求的是“意象之外”的意义，也即意境氛围的追求。要实现一定的意境氛围，就要通过调整画面景物的虚实关系。水墨画虚实的体现一般都是以“留白”“计白当黑”“以实观虚”等绘画理念来构成的，空白和虚景的运用能让画面更加富有空灵的感觉，也能给观者无限想象的空间。
现代平面设计的构图中，平衡好虚实关系一样很重要，实物多了，显得画面拥挤，信息太多反而过于纷杂，就要善于“实物虚化”；虚景多了，又会显得整体涣散，不能突出主题和重点，就要善于“虚物实化”，找到虚实之间的平衡点，才能实现空间上的合理安排，才能使整体画面活泼又不失重点突出，并且能营造逸致飘逸的中国风。
中国画中的水墨风格是在平面设计风格中运用得最常见也最重要的一种艺术表现形式，水墨风能够充分地运用虚实结合的艺术表现，使得要突出的对象描绘显得“似又不似”“似实而虚”，从而能在一定的意境中突出对象的神态。现如今涌现出很多优秀平面设计作品在营造意境时都采用了虚实结合的艺术表现手法。
三、中国传统文化对现代艺术设计的影响
（一）中国传统文化内涵在现代艺术设计中的重要性
在现代社会中，设计风格的取向可以说是现代潮流的风向标了，设计所涉及的层面非常广泛，诸如色彩、工艺、材料等，设计作品通过这些物料的选择取用，能透出更深层次的一个时代人们的审美追求的潮流、生活方式的改变、价值观念的更新等上层建筑的建设。
中国传统绘画是经得起时间检验的经典艺术，其背后悠久而深厚的文化底蕴，是现代艺术设计取之不尽的源泉，同时也是现代设计获得具有中国特色风貌的文化宝库，能够让中国设计在世界文化领域占有一席之地。
（二）中国传统文化精神在艺术领域的发扬光大
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在许多水书资料中明显可以看到笔画的书写形态，起笔有方有圆，收笔也是方圆兼有，笔画的形态也是有方、有圆，甚至还有呈三角等各异形态，这一点上它完全不同于甲骨文单一的刻写痕迹，有着浓厚的书写之意。曲与直是书法艺术中的又一对辩证关系，“画成其物，随体诘屈”，这在甲骨文、金文、铭文等篆书中都是常见的，而在水族文字中也时有出现。而有的字则是曲与直相间使用，为水书的书法艺术美增添了无限的美感。姜白石在《续书谱》中揭示过楷书的笔画的曲直之美：“一点一画，皆有三转；一波一拂，皆有三折。”还说：“横画不欲太长，长则转换迟；直画不欲太多，多则神痴。”
刘熙载在《艺概》中云：“书要曲而有直体，直而有曲致。”包世臣在《艺舟双楫》中也说：“曲直在性情而达于形质，圆扁在形质而本于性情。”他还举例说：“唐贤真书，以渤海为最整，河南为最暇，然其飞翔跳荡，不殊草势，筋摇骨转，牵掣玲珑，实有不草而使转纵横之妙。凡以其用笔，较江左为直，而视后来则犹甚曲之故也。”
由此可见，曲与直在书法创作和欣赏中所起的作用是至关重要的，它们不仅是技法体现、字形的变化，更是书家心里情绪的表达和抒发。而这在水书文字中表现得尤为突出，水书中的许多字的书写都是曲直相间，例如水书中的“鸟”，用两个不规则的圆圈代表鸟的头和身体，用几个短小的直画代表鸟的嘴、脚和尾巴，还有一个点表示是鸟的眼睛，曲与直表现得尤为明显。另有“贪”字的写法是两笔弯曲的笔画呈对称书写，两个直画上下分布，上横短下横长，与我们标准楷书的横画书写规则还有点相像，使整个字在平整中有变化，变化中有稳重。又如水字的“武”“廉”字，都是曲与直的组合。
丰富多样的结字
因为水书与甲骨文有着古老的渊源，所以它与甲骨文一样有着结构上的形象美。众所周知，甲骨文中有许多都是象形文字，从艺术角度来说，大有汉字图像的意味，水族古文字也亦如此，有许多的象形文字，如“猪”“牛”“马”字等，即使不懂水族文字，也不难从这些字的字形中看出其代表的动物。而这些字虽然看似简笔画，却以细微而主要的笔画变形来区别字义，使得看到这些文字的结构和结体，便给人以艺术形象美的体验。关于“结体”在《书法大辞典》中有这样的解释：“指字点画之间的联结、搭配和组合，以及实画和虚白的布置。”水书的字虽然不多，但大都姿态各异，风貌不同。既有照物画形的象形文字，也有因字立形的方块文字，有的字见方，有的字见圆，还有的字呈倒三角或是不规则的几何形体，总之是形态万千，规则与变化并存。在书法美学中有诸多的结体辩证关系，其中“欹”与“正”“主”与“次”在许多经典碑帖中都体现得淋漓尽致，而在水族文字中亦有多方面体现。关于“欹”与“正”的论述，刘熙载曾说：“书宜平正，不宜欹侧。古人或偏以欹侧胜者，暗中必有拨转机关者也。画诀有‘树木正，山石倒；山石正，树木倒’，岂可执一木一石论之。”
如在水族文字中“册”字、地支中的“辰”字，册字不是方方正正、整整齐齐的左右对称，而是呈左低右高之势，像有一条丝带在随风飘动，看似歪斜，却因右边的笔画往下弯曲而给整个字以无限延伸之势，并不会使得字势倾斜。在水书中，“辰”字的写法很多，但是也跟甲骨文、金文、铭文等篆书字一样，水族文字也有许多的异体字，将字写反、写斜、写倒的情况时有发生，但这丝毫不会给字体的美观带来影响。
关于“主”与“次”的看法，清代朱和羹说“作字有主笔，则纲纪不紊。写山水家，万壑千岩经营满幅，其中要先立主峰。主峰立定，其余层峦叠嶂，旁见侧出，皆血脉流通。作书之法亦如之，每字中立定主笔。凡布局、势展、结构、操纵、侧泻、力掌，皆主笔左右之也。有此主笔，四面呼吸相通。”这些都是虚实相生的书法境界，而水族文字亦是饱含着这一书法美。例如：水书中的“时”字和“甲”字，“时”字书写时突出撇，又长又粗，“甲”的书写突出竖画，两个字的其它笔画均是短而稍细，类似于这样的字在水字中还有很多。
自然巧妙的章法
水族文字因用途不同，所使用的书写材料也是不同的，有世代流� 丰子恺曾在《艺术三昧》一文中评价吴昌硕的字道：“有一次我看到吴昌硕写的一方字，觉得单看个别笔画并不好，单看各个字各行字也并不好。然而看这方字的全体，就觉得有一种说不出的好处。单看时觉得不好的地方，全体看时都变好，非此反不美了。”
一枝独秀不算春，百花齐放春满园，书法的章法美就在于它不是单个字的审美欣赏，而是一个全体美的组合，它的书写法度并不在于一个字、一行字，而是在于整幅作品的安排和布局，水族文字正是体现了这一章法美，水书中有的书写章法属于书法中的竖有行横无列的形式，这其中有平整、有欹侧、有疏朗、有张扬，虽然不懂水文的人并不知晓它具体讲了什么内容，但却可以明显地感知到这幅字所传达出来的干净、清爽的自然美感。明代董其昌《画禅室随笔》提到：“古人论书以章法为一大事，盖所谓行间茂密是也。余见米痴（米芾）小楷，作《西园雅集图记》，是纨扇，其直如弦，此必非有他道，乃平日留意章法耳。右军（王羲之）《兰亭序》，章法为古今第一。其字皆映带而生，或大或小，随手所如，皆入法则，所以为神品也。”
古人在作书时，是很讲究章法布局和艺术欣赏的，并也因此形成诸多的书写形式，其中扇面就是一个至今得到许多书法爱好者青睐的章法形式，可是扇面的书写并非易事，既要让整幅字有扇的形状，又要有适合的书写内容，当然在写的过程中纸是歪斜而字要写正的难度那就更不用说了，而水族文字在这方面做得就比较巧妙。现保存下来的水书扇面一般是文字是扇面的一个部分，它巧妙的在扇面的中心位置画上圆圈，这样就可以为后面的书写提供一个很好的参照，而整幅字以这环形的圆圈向四周扩展，呈发射状，像是俯瞰一把打开的伞，由密到疏，最外面则配之以相关的龙图腾，这样使得整个作品自然天成，混为一体。清刘熙载《艺概》则说：“书之章法有大小，小如一字及数字，大如一行及数行，一幅及数帖，皆须有相避相形、相呼相应之妙。”又说“凡书，笔画要坚而浑，体势要奇而稳，章法要变而贯。”
无论是大字还是小字，是整幅满篇的许多字还是仅仅一个单字的作品，水族的文字都是讲究相互避让、相互呼应的，无论是单个字的结构安排，还是整幅字的章法安排，都体现着书法欣赏的章法美。
书画结合的形态
水族文字是为数不多的保存至今的并且仍还在使用的少数民族文字之一，尤其是在祭祀或是有重大节日的时候，水族人民还会用本民族的文字书写所需要的祭旗等物品。这些物品中有的只是单独的有象征意义的画，有的只是单独的水族文字，而有的则是既有画又配之有水字的综合体，成为活动中难得的一道风景线。而现在在三都县档案馆、荔波县档案馆、贵州民族学院等地保存的水书中还有很多图文并用的文献资料。有的图画是龙，上面的文字也大都是关于天干地支方面的内容。字与画形成一个大的团扇形状，中间地方狭窄处书写水字，周边宽阔处绘出舒展的图画，使得书与画形成完美和谐、相互衬托的艺术作品。水族人民跟华夏民族一样，对龙有着特殊的崇拜，民间还会有“龙治虎殇，虎治龙殇”“穿山甲是龙的女婿，是蛇蚓的岳父”等说法。其实在水族很多的书作中都是既有文字又配之以相关的图画，比如在水书“黑书”中的部分图片，画的是虎，图与字呈螺旋辐射状，恰当地利用虎的身体和尾巴柔软弯曲的形态来进行构图，还配之以适当的曲线，有从虎嘴延伸出来的，也有为了画面完整而单独画出来的一条线，虽然用今天的眼光来看这些画，会觉得有些粗糙，还不够精细，但整幅作品所营造出构图和谐美是不可言喻的。另外还有一些作品中的画都为整幅作品增添了趣味性和欣赏性，也为形态各异的水字增加了几许丰富性和神秘性。
对于水书的研究是近几年来才引起相关学者的关注，自2003年起，经过四年的征集抢修工作，截至2007年三都县档案馆、荔波县档案馆、贵州民族学院等地已搜集到上万册水书，并进行影印、扫描、出版，为更多的人了解和研究水书提供了宝贵的第一手资料，也为水书文化的宣传和发展起到了重要作用。而对水书的研究不仅是对音韵、文字、文化等方面的研究，还可以从书法艺术的视角进行解读，也许会给我们带来很多新的学书启示。
艺术专业论文 3
（一）艺术设计专业进性实践性教学的重要性。
艺术设计专业是一整个比较特殊的专业，教师需要着重培养学生的艺术设计于创新能力，而非是大量的专业知识，这就需要学生能够在实践中欣赏艺术设计、感受艺术设计，从而获得足够的艺术素养，进而真正的学会艺术设计。然而，长期以来，由于教学条件和教学理论的限制，艺术设计专业还是以理论的教学为主，空洞的教学方案使得艺术设计专业的教育理论与实践分离、教育与产业脱节。长此以往，学生缺少对美的欣赏，很难获得足够的艺术灵感，更是难以将艺术设计运用到实践当中。
（二）艺术设计专业进性实践性教学——专业考察。
在艺术设计专业的本科第一年，要以基础技能培训为主，着重培养学生的理论知识与专业素质。从这时开始，就要将专业考察相关的信息传递给学生，学院应该组织实地调研、现场观摩、专题考察、专家现场讲解等与专业息息相关的课余活动，让学生能够真正的了解艺术设计专业，要做到让学生了解今后他们发展的方向。初步的实践性教学可以让学生明确目标，让学生明白艺术设计专业在社会上的工作方向。同样的，学生若能基本掌握艺术设计专业的全部程序和技能，这样既有利于提高设计质量，也能减轻教师毕业设计辅导时的工作量。
（三）艺术设计专业进性实践性教学——技能实习。
在学生对于艺术设计专业有着一定的了解，并掌握一定的专业基础知识之后，就需要展开实习和实训教学，我们将之称为“技能实习”，具体来说是组织学生深入现场从事一定的实际工作，让学生进行独立操作，解决实际问题的教学形式，以提高学生的实践能力，强化学生的专业意识，提高学生对理论知识的应用、发现问题、独立思考的能力。技能实习的重点是让学生真正的将所学知识运用到艺术设计当中，通过让学生提前接触到今后工作可能接触到的内容，来加强学生对于艺术设计的认知与了解。技能实习的内容包括课程实习、生产实习、专业考察、社会调查实践；综合实习包括创新能力训练、现场实习、毕业设计等。
二、进行实践性教学的控制管理要点
（一）提前做好实践性教学的教学安排。
由于开展实践性教学的案例比较少，教师很难直接的获取教学资料，这就需要教师发挥主观能动性，根据现有的资料制定全新的教学方案。在制定教学方案的时候，教师可以通过教务管理部门利用校园网建立健全的教学计划、教学资源、学生学籍与课表编排等电子系统，直接获取与实践教学有关的原始数据，结合实践教学承担单位的具体安排，从而简便、快捷、完整、准确地制定出学期实践教学任务。另外，还要采取互补、协调与一致等原则，安排出科学、合理的实践教学课表，保证教学计划具有良好的执行性和制度的可持续性。
（二）设置合理的实践性教学考核方案。
凡是教学，必要有一个教学考核的过程，艺术设计专业的实践性教学也不例外。而实践性教学不同于其它的教学，它的考核方式不应该局限于笔试，而应该扩展开来，即“实践性考试”。学生通过实践性的学习所学得的内容繁杂，可以通过结业设计来进行考核，要求学生根据实践性学习过程中所学到的东西自行创作作品。这种“实践性考试”方案可以最大程度的发挥学生的自主创造性，也避免了目的性的考核。实践性学习不同于其它的教学方案，它有很强的灵活性，但随之而来的还有着不可控性。在该教学方案下，学生收教师监管的程度较低，因此，应该设立规范的学生考勤、考核制度，避免让实践性教学沦为“实践性娱乐”。参与实践性教学的教师应该建立严格的考勤考核方案，做到每次实践性教学都进行签到和签退，学生请假、缺勤、旷课、不及格的处理，参照学籍管理办法，根据专业课程有关规定执行。每次实践性教学完成之后都进行一次小规模的考核，并将成绩编辑入册，评语归档，与推优评奖挂钩。通过这种考核制度可以有效的避免学生忽视实践性教学的重要性。相信通过合理的考核制度，定能使得实践性教学取得良好的成果。
（三）完善实践性教学资料，做好成果汇报工作。
由于我国艺术设计专业的实践性教学尚处于起步的阶段，还在进行“摸石头过河”的探索过程，相关的教学资料少之又少，因此，每一次实践性教学的资料都使珍贵的资料，教师在完成实践性教学之后，不能放手了事，而要将实践性教学的教学大纲、课程安排、学生作品、教师的教学心得等资料详细整理，并做好资料的归档工作。另外，如果实际条件允许，学院还应该组织参与实践性教学的教师进行教学汇报，分享自己的教学心得，做到资源共享。实践性教学是一个新型的教学方案，教师应该在进行实践性教学之后对学生的整体水平做一个评估，并与之前的数据进行对比，综合研究开展实践性教学的得与失，并在下次实践性教学中对于存在的漏洞进行修正。
三、结语
艺术论文 4
一、什么是舞蹈？
舞蹈和我们的生活有着非常紧密的联系。清晨，在城市的街心公园，一群群的中老年人、有的随着锣鼓点在扭"秧歌"、有的跟着节奏鲜明的音乐跳"迪斯科"、还有的人在优美的旋律中跳着自编的"健身舞"；晚间，在剧场可以欣赏到舞蹈或舞剧作品的演出、也可以到舞厅或联欢会去跳交谊舞；节日期间还可以在一些公园等旅游点举力的"游园花会"看到各地的民间舞蹈表演；如果有兴趣和需要、你还可以到各种舞蹈训练班学习芭蕾舞、民间舞、国标舞……来提高自己的舞艺。
如果有人问：什么是舞蹈？我们将怎么回答呢？
用简明的话来说，舞蹈是一种人体动作的艺术。但是，这个人体动作，必须是经过提炼、组织和美化了的人体动作--舞蹈化了的人体动作。另外，属于人体动作范畴的艺术也有许多种，如杂技、哑剧、人体雕塑、韵律操等等。所以，舞蹈不同于别的人体动作艺术的主要方面是：它是以舞蹈动作为主要艺术表现手段、着重表现语言文字或其他艺术表现手段所难以表观的人们的内在深层的精神世界--细腻的情感、深刻的思想、鲜明的性格，和人与自然、人与社会、人与人之间以及人自身内部的矛盾冲突，创造出可被人感知的生动的舞蹈形象，以表达舞蹈作者（舞蹈编导和舞蹈演员）的审美情感、审美理想，反映生活的审美属性。另外，由于人体动作不停顿地流动变化的特点，它必须在一定的空间（舞台或广场）和一定的时间中存在；而在舞蹈活动中，一般都要有音乐的伴奏，要穿特定的服装、有的舞蹈还要手持各种道具，如果是在舞台上表演，灯光和布景也是不可缺少的。所以，也可以说舞蹈是一种空间性、时间性和综合性的动态造型艺术。
二、舞蹈的特性--舞蹈和其他艺术有哪些共同性？又有哪些区别？
艺术是人类审美活动的大家族，它的成员有文学、美术、音乐、舞蹈、戏剧、电影、曲艺、杂技等。各个门类的艺术都是反映社会生活和表现人们思想感情的，但是艺术的反映和表现、不是一般的概念的抽象的反映和表现，而是个别的具体的形象和审美的反映和表观。所谓审美的反映和表现、就是艺术家根据自己的审美情趣、审美理想，对社会生活进行选择、概括、加工、并根据艺术的特点和规律予以创造性的反映和表观。
在社会的历史发展中，人们创造了各种艺术形式、这些艺术形式的主要区别就是各有其独自的物质载体和不同的艺术表现手段。文学的物质载体是语言、文字；美术的物质载体是纸张、画布、颜料、油彩，它的主要表现手段是色彩、线条、构图和造型；音乐的物质载体是声音；戏剧的物质载体是人们在舞台上的行动（表演活动），除舞剧外，主要以语言、歌唱和动作为主要表现手段。电影的物质载体是人们的表演通过科学技术的方法摄制在胶片上，用电光在银幕上放映出来；曲艺的物质载体是一至二、三人在舞台上的表演、其主要表现手段是说和唱。杂技和舞蹈有着共同的物质载体--人的身体是其主要的艺术表现工具，多数杂技品种和舞蹈一样，是以人体的动作、姿态造型和构图变化为主要表现手段。杂技也是一种表演艺术，演员也塑造一定的角色，但是它不像舞蹈那样着重表现人物情感的发展过程，一般不具有情节事件，而是通过高难度的技巧表演，表现出一种概括性的勇敢、坚毅、智慧的品格力量。因此，杂技具有更多的观赏性和娱乐性。舞蹈作品中的舞蹈动作也要具有一定的技艺性，舞蹈演员要具备跳跃、旋转、翻腾、柔软、控制等高难度的技巧能力，但是，在舞蹈作品中表演高难度的技巧动作本身不是目的，而是一种表现人物思想感情、塑造人物性格和精神面貌的一种手段。如果在舞蹈作品中，以手段作为目的、演员高超的技艺不以反映生活、表现人物的思想感情为其存在的前提，或是不以舞蹈内容出发采选取相应的舞蹈动作技巧，而是以展示演员所掌握的舞蹈技巧能力出发，那就会使舞蹈作品由于内容和形式的脱节，或是缺乏艺术的完整性，而陷于失败，舞蹈演员的技艺本身也就沦入了杂技性的技巧表演，而丧失了舞蹈艺术的基本品格。
三、舞蹈的起源--舞蹈艺术是从哪里来的？
据艺术史学家的考证，人类最早产生的艺术就是舞蹈。在远古人类尚未产生语言以前，人们就用动作、姿态的表情来传达各种信息和进行情感、思想的交流。以后由各种声音发展成为语言和音调以后，才相继产生了诗歌和音乐。在劳动中，由于制造工具，人的手逐渐变得灵巧起夹，又诞生了绘画和雕刻。随着人类的进化，思维能力和认识事物水平的提高，曲艺、小说、戏剧等艺术才相继被创造出来。那么，舞蹈作为一种最古老的艺术，它的源头来自哪里呢？
我国古代和古希腊的神话传说中说，人类是从天帝那里学来的舞蹈、或是人类受到掌管舞蹈的女神的启发才创造出舞蹈来。我们知道，古代的先民，对神和人的概念的理解，并不像现代的人分得那样清楚。那时的人们往往把一些具有不凡才能的人、超出一般人的智慧和力量的人，或是对于人类作出大较大贡献的人，都看成是神的化身，或是能通神的人。现在，我们知道，各种各样的神都是人根据自己的影象为基础，经过想象而创造出来的。是神创造了舞蹈，归根结底也就是我们人创造了舞蹈。那么，人又是如何创造了舞蹈呢？
有的学者认为，人由模仿的本能，舞蹈是人用有节奏的动作对各种野兽动作和习性的模仿。有些舞蹈还是对一些自然景物动态形象的模仿，如柳枝的摇曳、海浪的翻滚、风的飘荡旋转等等，人们都可以模仿它们进行舞蹈。
也有学者认为，在艺术的起源中，模仿虽然重要、但还不是真正的起因，艺术的起因是"游戏的冲动"，游戏是自白的人性的表现。游戏也是人类最终脱离动物界的标志。这里的的游欢，是指人的审美需求，即以假象为快乐。如人模仿动物的舞蹈、就是通过这种假象的游戏来获得快乐和宣泄自己的情感。
还有学者认为，由于原始人的思维分不清主客观的界线、认为一切自然物都和自己一样是有灵魂的，由此而产生了图腾崇拜、原始宗教、巫术祭祀等，而这些活动都离不开舞蹈，甚至舞蹈是巫术活动的主要内容和最主要的表现手段。因此，有人断言"一切跳舞原来都是宗教的"。
不少学者从原始人为了生存的需要，把繁衍下一代看作是非常重要约事情，而舞蹈是择偶、求婚和进行情爱训练的主要方式和手段，� 而有的学者，认为舞蹈不仅表现人的情爱，人们的各种激越的情感，人们生活中有重大意义的情感和活动，都会用舞蹈来表观。再没有别的艺术行为，能像舞蹈那样的转移和激动一切人类，我国古代乐舞理论中就有："清动于中而行于言，言之不足故嗟叹之；嗟叹之不足故咏歌之；咏歌之不足，不知手之舞之足之蹈之也。"这也生动地说明了舞蹈是表现人们最激动的情感的产物。
我国有很多学者主张舞蹈起源于劳动的理论，因为劳动是人生存和发展的第一需要，也是劳动创造了人自身，是劳动使人脱离了动物界，是劳动创造了人类社会。在原始人的舞蹈中，表现狩措和种植以及各种劳动生活的占有最大的比重。
我 它和诗歌、音乐结合在一起、是人类历史上最早产生的艺术形式之一。
四、舞蹈有哪些种类？
艺术，是由各个不同的艺术品种所组成的。作为艺术之一的舞蹈，同样是一个非常广阔的天地，它也是由各个不同种类、不同样式、不同风格的舞蹈所组成的。根据舞蹈的作用和目的，舞蹈可分为生活舞蹈和艺术舞蹈两大类。生活舞蹈是人们为自己的生活需要而进行的舞蹈活动；艺术舞蹈则是为了表演给观众欣赏的舞蹈。
生活舞蹈包括有：习俗舞蹈、宗教祭祀舞蹈、社交舞蹈、自娱舞蹈、体育舞蹈、教育舞蹈等。
习俗舞蹈，又可称为节庆、仪式舞蹈，是我国许多民族在婚配、丧葬、种植、收获及其他一些喜庆节日所举行的各种群众性的舞蹈活动。在这些舞蹈活动中，表观了各个民族的风俗习惯、社会风貌、文化传统和民族性格特征。宗教、祭祀舞蹈，是进行宗教和祭祀活动的舞蹈形式。主要用以祈求神灵庇佑、除灾去病、逢凶化吉、人畜兴旺、五谷丰登，或是答谢神灵的恩赐；祭祀舞蹈，是祭祀先祖的一种礼仪性的舞蹈形式。过去人们用以表示对先祖的怀念或是希望先祖和神佛对自己的保佑和赐福。
社交舞蹈，是人们进行社会交往、增进友谊、联络感情的舞蹈活动。一般多指在舞会中跳的各种交际舞。另外，我国许多少数民族在各种节日所进行的群众性的舞蹈活动，多是青年男女进行社会交往、自由选择配偶的社交活动，因此，也可以说是各民族的社交舞蹈。
自娱舞蹈，是人们以自娱自 用舞蹈来抒发和宣泄自己内在的情感冲动，从而获得审美愉悦的充分满足。
体育舞蹈，是舞蹈和体育相结合，以艺术审美的方式锻炼身体，使身心全面健康发展的舞蹈新品种。如各种健身舞、韵律操、中老年迪斯科、冰上舞蹈、水上舞蹈，以及我国传统武术中的舞剑、舞刀和象征模拟各种动物、特定形象的象形拳、五禽戏等均是。
教育舞蹈，是指学校、幼儿园等进行审美教育的舞蹈活动，以及开设的舞蹈课程，用来陶冶和美化人的思想感情、道德情操，培养人的团结友爱、加强礼仪，以及增进身心健康、都能起到潜移默化的作用。
艺术舞蹈，是指由专业或业余舞蹈家，通过对社会生活的观察、体验、分析、集中、概括和想象，进行艺术的创造，从而创作出主题思想鲜明、情感丰富、形式完整，具有典型化的艺术形象，由少数人在舞台或广场表演给广大群众观赏的舞蹈作品。由于艺术舞蹈品种繁多，根据各个不同的艺术特点、大致可分为三类。
第一类、根据舞蹈的不同风格特点来区分，有：古典舞蹈、民间舞蹈、现代舞蹈、当代舞蹈和芭蕾舞。
古典舞蹈：是在民族民间舞蹈基础上，经过历代专业工作者提炼、整理、加工创造，并经过较长期艺术实践的检验，流传下来的，被认为是具有一定典范意义和古典风格特点的舞蹈。世界上许多国家和民族都有各具独特风格的古典舞蹈。欧洲的古典舞蹈，一般都泛指芭蕾舞。
民间舞蹈：是由广大人民群众在长期历史进程中集体创造，不断积累、发展而形成的，并在群众中广泛流传的一种舞蹈形式。它直接反映人民群众的思想感情、理想和愿望。由于各国家、各民族、各地区人民的生活劳动方式、历史文化心态、风俗习惯，以及自然环境的差异，因而形成了不同的民族风格和地方特色。
现代舞蹈：是19世纪末和20世纪初在欧美兴起的一种舞蹈流派。其主要美学观点是反对当时古典芭蕾的因循守旧、脱离现实生活和单纯追求技巧的形式主义倾向；主张摆脱古典芭蕾过于僵化的动作程式的束缚，以合乎自然运动法则的舞蹈动作，自由地抒发人的真实情感，强调舞蹈艺术要反映现代社会生活。
当代舞蹈(新创作舞蹈)：即不同于上述三种风格的新风格的舞蹈，它常常是根据表现内容和塑造人物的需要，不拘一格，借鉴和吸收各舞蹈流派的各种风格、各种舞蹈表现手段和表现方法，兼收并蓄为我所用，从而创作出不同于已经形成的各种舞蹈风格的具有独特新风格的舞蹈。
芭蕾舞：是一种经过宫廷的职业舞蹈家提炼加工、高度程式化的剧场舞蹈。"芭蕾"这个词本是法语"ballet"的音译，意为"跳"，或"跳舞"，其最初的意思只是以腿、脚为运动部位的动作总称。法国宫廷的舞蹈大师们为了重建古希秸融诗歌、音乐和舞蹈于一体的戏剧理想，创造出了"芭蕾"这样一种融舞蹈动作、哑剧手势、面部表情、戏剧服装、音乐伴奏、文学台本、舞台灯光和布景等多种成份于一体的综合性舞剧形式，在西方剧场舞蹈艺术中占统治地位达300余年，至今已历四个多世纪。1958年北京舞蹈学校建立引进俄罗斯芭蕾至今也已四十多年。
第二类，根据舞蹈表现形式的特点来区分，有：独舞、双人舞、三人舞、群舞、组舞、歌舞、歌舞剧、舞剧等。
独舞，由一个人表演的完成一个主题的舞蹈，多用来直接抒发人物的思想感情和揭示人物的内心世界。
双人舞，由两个人表演共同完成一个主题的舞蹈。多用来直接抒发人物的思想感情的交流和展现人物的关系。
三人舞，由三个人合作表演完成一个主题的舞。根据其内容可分为表现单一情绪和表观一定情节，以及表现人物之间的戏剧矛盾冲突等三种不同的类别。
群舞，凡四人以上的舞蹈均可称为群舞。一般多为表现某种概括的情结或塑造群体的形象。通过舞蹈队形、画面的更迭、变化和不同速度、不同力度、不同幅度的舞蹈动作、姿态、造型的发展，能够创造出深邃的诗的意境，具有较强的艺术感染力。
组舞，由若干段舞蹈组成的比较大型的舞蹈作品。其中各个舞蹈有相对的独立性，但它们又都统一在共同的主题和完整的艺术构思之中。
歌舞，是一种歌唱和舞蹈相结合的艺术表演形式。其特点是载歌载舞既长于抒情，又善于叙事，能表观人物复杂、细腻的思想感情和广泛的生活内容。
歌舞剧，是一种以歌唱和舞�
舞剧，以舞�
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悲剧和喜剧戏剧是综合艺术的一种，狭义专指以古希腊悲剧和喜剧为开端。首先在欧洲各国发展起来继而在世界广泛流行的舞台演出形式，通过舞台演出而诉诸观众感官的艺术形式，其中心是演员的表演。因之，又被人称为“舞台艺术”或“演员艺术”。
悲剧是戏剧的主要体裁之一。它渊源于古希腊，由酒神节祭祷仪式中的酒神颂歌演变而来。在悲剧中，主人公不可避免地遭受挫折，受尽磨难，甚至失败丧命，但他们合理的意愿、动机、理想、激情预示着胜利、成功的到来。
亚里士多德把悲剧定义为：是对一个严肃的、完整的、有一定长度的行动的模仿；引起怜悯与恐惧来使这种情感得到卡塔西斯(净化、宣泄)。后世，很多美学家、戏剧理论家都曾从不同的角度确立悲剧的本质。在悲剧中，人的欲望、情感、意志、能力都是历史的产物，体现着人类的本质力量，但都不可避免地遭受挫折、磨难，甚至是厄运，而且不可能在现实中实现。这就构成了“历史必然的要求与这个要求的实际上不可能实现之间的悲剧冲突”。在这种悲剧冲突中，主人公不仅要同为其造成挫折、磨难的强大外在力量搏斗，往往还要同主体的内在本质力量进行搏斗。尽管突然降临的悲剧性情境似乎是偶然的，但是，这种情境只是为主体行动安排的必要契机，而行动都是源于主体的自我意识，是主体为了极限发挥自身的潜能而做出的。因而，由行动构成的命运的曲线，连同最终的结局无论是失败或是丧失生命，便是他(或她)完整生活的凝聚，亦即完整的人格在行动中自满自足。悲剧的力量正在于主人公有限的生命运动所体现的人类精神的永恒价值。
喜剧又称“喜”或“喜剧性”。广义是审美范畴之一，狭义上特指戏剧的一个种类。作为美学范畴，喜剧与悲剧相对应，并与丑、笑和滑稽有密切联系和区别，是美学研究的重要课题之一。喜剧艺术最早出现于古代希腊。从语源学看，“喜剧”一词源于希腊语的“诗篇”和“载歌载舞的欢乐行列”二词。一般认为它起源于古希腊祭祀酒神狄奥尼苏斯的狂欢歌舞和民间滑稽戏。后来经“喜剧之父”阿里斯托芬将其定型化，为以艺术手段对社会不良现象进行讽刺和批评的重要方式之一。在长期的历史发展中，“喜剧”一词的涵义突破了一种戏剧类型的限制，上升成为泛指一切艺术和生活中令人感到可笑的对象的审美范畴。
康德没有系统的喜剧理论，他试图揭示笑的本质。他认为：“在一切引起活泼的撼动人的大笑里，必然有某种荒谬背理的东西存在着。笑是一种从紧张的期待转化为虚无的感情”。
黑格尔从唯心主义辩证法出发，建立了较为完整的喜剧理论。他认为，主体性是喜剧的本质特征，也是喜剧性矛盾的源泉。喜剧都具有可笑性，但并非一切可笑性都是喜剧，二者应当加以区别。喜剧的基本特点在于喜剧的主体(人物)追求的不是严肃、重大的目的，而是某种自身微不足道的，没有什么价值的，甚至是虚伪的、自相矛盾的东西。喜剧的主体以一种愉快和自信的心情，凌驾于一切矛盾之上，自以为可以解决一切矛盾，实现一切目的，而实际上由于目的的虚幻和无价值，不得不四处碰壁，必然走向最后的毁灭，然而他并不把这失败或毁灭放在眼里。这同悲剧形成鲜明的对照。悲剧主人公由于坚持善良意志和性格的片面性，追求实体性的目的，他是带着严肃的斗争精神和英雄气概走向毁灭的。
悲剧借引起怜悯与恐惧来使情感得到陶冶。悲剧主人公经历的一系列偶然发生的事件，却存在必然的联系，这必然的联系导致的结果是毁灭，主人公无力改变，这是命运的强制力量。就在这样的过程中，悲剧给人以震撼的力量。而喜剧不是事物的自然属性，在自然界里无所谓喜剧。喜剧根源于社会生活中的矛盾冲突，具有客观的社会价值和社会内容，喜剧的真正王国是人类社会。喜剧是社会生活现象和人的行为所固有的一种审美价值，同时也是对其所做的一种审美评价。
鲁迅说：所谓悲剧就是把人生有价值的东西撕碎给你看，所谓喜剧就是把人生无价值的东西撕碎给你看。
艺术论文 6
品牌名称是品牌的一个最重要组成部分。企业在进行品牌设计、品牌建设中，要特别讲求命名艺术，为产品选择一个好的品牌名称。
俗话说得好：“名不正则言不顺，言不顺则事不成。”同样，对于企业经营者而言，给产品起个好名字也是至关重要的一个环节。名字起得好，消费者容易记住，再加上其它生产经营环节也做好了，产品俏销了，那也就快成为名牌了。所以说“名字也是生产力”实不为过。
名字起得好、优美、响亮，叫起来顺嘴，听起来好听，既有个性，又与时代新风尚合拍，树立品牌良好形象，最终有益于促进销售，堪称是门高深的学问。可以说，命名也是一种低投入高产出的投资，这一观念今天正被不少经营者从教训中所认识。
有人认为，相对于技术设备等硬件方面的投入来说，命名似乎无足轻重。可是，这个看起来不起眼的环节往往正是很关键的一笔无形资产的投资，它不但回报率远远超出预想，而且会在很大程度上影响有形资产投入的市场价值。命名的科学合理，会使企业的整体投资发挥出极限效益来。
“长虹”“红桃K”、“海尔”、“娃哈哈”、“乐百氏”、“SONY”（索尼）、“ACER”（宏基）等国内外著名品牌，其品牌名称无一不具备显著的区别性特征，充分突出自己的特色；易于为消费者所认同所接受；具有较高的文化附加值。如国内的“红桃K”这个名字出台前，几个创业者当初曾不惜斥数万元重金，面向全国公开征集产品的名字及其商标图形的创意，最后从多达近两万个候选名字和商标创意中筛选出了“红桃K”三个字，真可谓字字千金。世界上成功的大企业，更是无一不看重命名这个投资环节。如美国有家石油公司为设计出既符合世界各地风俗，又符合各国法律的名字，邀请各方面的专家，历时6年耗资一亿余美元调查了55个国家和地区，最后从设计的1万多个商标中筛选出一个商标，这就是著名的埃克森（EXXON），如今它的品牌价值已达上百亿美元。其它诸如“SONY”、“ACER”等命名，也都是一笔巨大的投资，当然，最终的回报也是丰厚的。
二、品牌命名的误区
如今，我国的企业也大都认识到了品牌名称的重要性，但在给自已的产品命名时，却因种种原因陷入了品牌命名的误区。
1、雷同
国内很多品牌无特色，缺乏个性，甚至名称雷同，结果企业的规模发展越大，当初命名投资中的问题就暴露越多。如广东就曾流传着这么8句话：“‘红棉’遍地开，‘珠江’到处流，‘五羊’满街跑，‘熊猫’遍地走，‘三角’满天飞，‘钻石’到处撒，‘羊城’处处见，‘粤穗’眼底收。”这就是对名字雷同现象的准确描绘。报载1998年广州认定的不同行业的58种著名商标中，命名相同的竟累计有14件，占近1／4。
2、媚洋
如今，我国的许多企业挟洋自重，本为国货，却非要给产品起一个洋名不可，“媚洋”思想从其品牌名称上表露无遗。理发店取名“黛丽丝”；自行车叫什么“奥柯特”；歌舞厅挂牌为“拉斯维加斯”；甚至一块热红薯偏偏要称为“蒙娜丽莎”……。从这些“洋气”招牌上看不到中国人的“骨气”。不可否认，改革开放之后，西风东渐，洋货以其高、精、尖的技术含量而受到国内消费者的喜爱。企业因此借一点洋货的光亮为自已增辉，原也无可厚非。但如果把这种借光现象搞得走火入魔，都为产品起一些“土著”与“洋人”都看不懂的洋名，就不但不能表现产品的特色，反而会受到国人的鄙视，更严重的是给人一种没中国人的“骨气”之嫌了。
3、循古
当前，我国的许多企业沾“古”而醉，热衷于以古代的人名、地名甚至以古代的典故、传说来为自已的产品命名。中国有历史悠久、灿烂辉煌的传统文化，企业请它们为本企业发挥一些余热，确实可以为产品增添光辉。“孔府家酒”之所以大出风头，的确与它的品牌名称所具有的深厚的文化内涵有着莫大的关系。但是，如果大家一窝蜂似地都去循古，那“古”的功效就会因多、烂甚至捕风捉影而淡化，还有可能产生负面效应。如，自从有了“孔府家酒”后，于是就出了类似的“禹王山酒”、“康王河酒”、“宋府家酒”等等，这些有抄袭、模仿之嫌的品牌名称，实在令人大倒顾客味口，其品牌效应就可想而知了。
4、媚俗
不知从何时起，我们的一些品牌名称、店铺招牌还莫名其妙地染上了一股重重的“俗气”。比如，有什么“老爷酒店”、“财神当铺”；什么“洪福酒楼”、“肥婆餐厅”；有豆酱制品取名为“老干妈”、“老干爹”；据报载，南方某地产的一种儿童食品居然取了个艳名叫“泡妞”，真不知这一企业取此名字的目的何在。
品牌名称、店铺招牌实际也是一种促销广告，同时也是企业精神的一种外显。一个好的品名（或招牌）能给企业带来无尽的收益和回报；一个高雅、文明的品名（或招牌）能让公众感受到一个企业积极向上的精神风貌。而那“财神”、“肥婆”、“泡妞”、“老干爹”之类俗不可耐的品名、招牌只会招来大众的反感，只会为自已的企业外在形象抹黑。笔者真是想不通，我国语言词汇浩瀚如大海，其中有无数的绝妙好词，但这些企业为什么偏偏选中那些俗不可耐的俗名呢？
目前，国内企业在进行品牌名称的选择的时候，除了陷入了以上几种误区外，还常常陷入“称王称霸”、“猎奇求怪”、“贪多求大”等误区。在此，就不一一详述了。
三、品牌命名的原则
实际上，产品品牌的命名是一门高智慧、高价值的艺术。要想所选择的品牌名称能发挥其促销产品、树立企业形象、促进企业发展等方面的良性作用，避免陷入上述的误区，就必须坚持以下几方面的原则；
1、品牌命名要新颖独特对比强烈。
品牌命名的目的是为了更有利于消费者的选择，使它们在同类产品中具有万绿从中一点红的效果。因此，新颖性和独特性无疑是品牌命名的第一原则。
最近，女儿迷上了一种名叫“小鱼军团”的袋装小食品，该食品并没有什么特别之处，就是一些油炸小鱼。十几条一袋，四块多钱，价格不便宜。但它的名字却大大吸引了我那三岁多的女儿，一旦买上一袋后，她便会一条一条地“消灭”，口中还不时大叫：“爸爸、妈妈，我又消灭了一个军团成员。”有时，妻子也加入了对付“小鱼军团”的战斗，直到把整个“军团”消灭干净。在消灭“小鱼军团”的过程中，女儿高兴，妻子快乐，当然我就更快乐了。这一切统统都是“小鱼军团”这个新颖、独特、有趣的名字所带来的。
从这件小事中，我们可以看出，一个新颖、独特的品牌名称能使普通的商品变成富有强大吸引力的商品，它能给顾客带来意料不到的欢乐和享受；一个新颖、独特的品牌名称就等于给商品做了一个绝好的广告，它能给企业带来滔滔不尽的丰厚财源。我想，生产“小鱼军团”的企业，其生意肯定不错，至少它从笔者的钱包中就掏去了不少钞票。
2、品牌命名要能够隐喻产品特点。
能够表现产品独特性的第二个因素是产品的功能和特点，同时，它也是消费者最为关心的一个话题。为了更加突出和更加艺术地表现产品的功能和特点，使产品品牌起到先声夺人的效果，品牌的设计者们大都采取比喻或隐喻的方式来表现变种功能和特点。
德国大众汽车公司所生产的桑塔纳轿车就是借喻桑塔纳旋风的威名而成名的。桑塔纳原是美国加利福尼亚州一座山谷的名称。那里盛产名闻于世的桑塔纳葡萄酒，同时也盛产强劲的桑塔纳旋风。大众汽车公司将他们的名车命名为“桑塔纳”，不但隐喻着那车像桑塔纳旋风一样风驰电掣，而且希望那车能够像那旋风一样风靡美国和全球。
3、品牌的命名要能够诱发顾客的购买欲望。
产品命名的重要目的是为了赢得用户的接纳和选择，因此，一个好的品牌名称不能仅立足于公众的识别和欣赏上，而是要有强烈的卖点，使人们产生一种强烈的购买欲望和购买冲动。
诱发购买欲望和购买冲动的关键是能够引起顾客美好的心理联想，使他们醉心于购买带来的美好结果。这种对未来的憧憬作为一种内在的驱动力量，很容易转化为购买动机。在世界各地，不同民族、不同肤色、不同宗教信仰的人们都挡不住“可口可乐”的诱惑，其中很大程度上归功于那具有极强诱惑力的品牌名称。
4、品牌的命名要顾及国情、民情、民俗和民风。
天津“狗不理”包子在我国北方已畅销了上百年。但它在南国广州却寸步难行。这是因为，广州人对“狗不理”这个名称在心理上不能接受。这正映证了“桔生淮南则为桔，生于淮北则为枳”的古语。
由此可见，产品命名不但要考虑它所具有的积极意义，而且要考虑产品销售市场的国情、民情、民俗与民风，做到“入乡先问俗”，千万不要冲撞了当地的社会禁忌。
5、品牌的命名要做到好听、好看、好记、情深。
除了以上原则外，品牌的命名还要注意做到：一是“好听”———品牌的名称听起来舒服。二是“好看”———品牌标识要醒目，让人看完之后赏心悦目，从而留下对这个商品或服务的美好印象。三是“好记”———名称简洁有深义，朗朗上口，易于记忆。四是“情深”———品牌要有一定的文化韵味或一定的情感内涵，让人们在使用此产品或服务时，体会到一种情感上的享受，一种精神上的追求。四、品牌命名的途径与方法
要想获得一个绝好妙的品牌名称，除了要避免陷入上述的误区与坚持上述的原则外，还要选择适当的途径与方法。
品牌命名的途径通常有三条：一是通过媒体诚心诚意地向社会公众征集，既可得到好名字，又能很好地宣传自己；二是邀请专业公司或人士介入新产品投资开发过程，为产品的命名出谋划策；三是发动企业内部员工为产品命名。有时候通过这种途径获得的品牌名称更能切合企业的实际。
方法是原则的体现。品牌命名的方法通常有以下几种：
1、以产品产地命名。
即以产品的传统和著名产地命名，如茅台酒、龙井茶、北京烤鸭等。凡名牌产品大都有其原产地或中心产地，人们习惯上把这些产地视为正宗。以产地命名可以使消费者产生一种仰慕和信赖心理，并从而激发他们的购买欲望。
2、以植物类比命名。
即以具有象征意义的名树、名花、名果来为产品命名，如椰树饮料、莲花味精、红豆衬衫等。以名贵植物类比命名可以使消费者把产品形象化，并通过积极联想给产品附加一些与植物有关的属性。
3、以动物类比命名。
即以具有象征意义的名贵动物来为产品命名，如风凰电扇、虎牌摩托、熊猫电器等。以珍禽异兽命名，不但可以使产品形象化，而且可以产生强烈的动感，使产品在消费者头脑里生动起来，从而给产品附加一些与那动物有关的属性。
4、以自然现象命名。
即以某种自然现象的名称作为产品名称的一种命名方法，如长虹彩电、紫光电脑、霞飞化妆品、旭日升饮料等。这种命名法可以将自然现象的某种受人喜爱、受人憧憬之处寓于产品之中，从而借以扩大产品的知名度，吸引消费者购买。
5、以价值比喻命名。
即以修饰性的语言来喻指产品价值的方法为产品命名，如金贵特曲酒、超能电器、自然美化妆品等。这种命名法，可以直接让顾客了解产品的价值之所在，有一定的促销作用。
6、以威信效应命名。
即以历史上和现实中知名度和美誉度较高的人的名字作为产品名称的命名方法，如东坡肉、孔府家酒、中山装、李宁服装等。知名度和美誉度高的人，代表着一种理相化的生活方式，容易引起消费者的认同；另外，以知名度和美誉度高的人的名字作为产品名称还可以产生“名人效应”，使产品能够借“名”扬名，借“名”促销。
7、以企业理念命名。
艺术论文范文参考 7
随着我国经济的快速发展，民众对精神文化的需求日益突出，这意味着我国的文化产业拥有巨大的发展空间。在新时期，科学有效地开展文化艺术管理工作，可以为文化产业的繁荣发展提供有力的支持与保障， ……
【摘要】近年来全域旅游模式成为全国各省市重点研究项目，本文研究的重点在于解决文化艺术旅游资源缺少内涵、省内文化艺术旅游产业布局混乱不系统的现象、加大对文化艺术领域的宣传范围，提高文化创意，打造省内旅游行业文化艺术IP，将吉林省文化旅游产业……
【摘要】声乐艺术作为艺术的重要分支，与大多数艺术形式一样，需要运用正确的理论来探求其背后的真理。声乐表演是声乐艺术的灵魂，演唱者需要通过自身的理解对音乐作品进行完美诠释，这也是通过表演对作品进行二度创作的过程。本文将从声乐表演的本质、声乐……
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［摘要］我国文创产品发展时间尚短，还存在一些不足，随着人们对文化产品的不断重视，文创产品迎来了新的发展阶段。如今，部分文创产品设计中依然存在着较为浓厚的商业气息，缺乏创意。将传统工艺美术融入文创产品设计中，能够有效促进文创产品的发展，同时……
在新的社会形势下，群众文化呈现出复杂化、多元化的新态势。一些正能量的意识形态对群众文化的发展起到了推动与促进的作用。在建设和谐社会的大背景下，社会公众的文化活动愈加丰富多彩。音乐创作作为文化宣传的主阵地，可以促进文化艺术的发展与交流，让社……
音乐与舞蹈皆依托节奏而存在，在人对舞蹈艺术进行感受时，听觉与视觉相互补充，相互依存。人们既需要依靠视觉获取节奏，又需要依靠听觉感知节奏。因此，节奏的表现离不开视觉与听觉，只有二者相互弥补，相辅相成，才能更好地形成艺术形象。所以，本文将基于……
艺术论文 8
关键词：音色，二度创作能力，情感，呼吸
筝是我国古老的民族乐器，它源于秦而盛于唐。在近几十年来，筝的如雨后春笋，非常迅速。这种盛况与古筝本身典雅柔美的音色、日益开拓的的技法及不断丰富的曲目有着不可分割的关系。这种发展状况也大大加强了古筝的音乐表现力。其中古筝表演艺术方面的问题是值得我们去不断的探索与研究的。
古筝音色的解析
音色是音乐表现力的一个重要因素，是每个演奏家所追求的。好的音色可为优美的音乐锦上添花，差的音色会掩盖音乐的光彩。就古筝来说这个乐器分为高、中、低三个音区，其各音区的音色特点是：高音区清脆明亮，中音区圆润柔和、低音区浑厚深沉，且弦的数量较多，音域宽广。其二、古筝的共鸣相箱较大，弦很长所以音色厚实响亮。其三、筝的琴码较高，不仅使得声音响亮而且许多特殊的指法（按、滑、揉等）为古筝的音色提供了特有的变化。当然这是乐器本身的音色属性，然而这种弹拨乐器的音色在人为的演奏上又有很大的关系。首先是发力的问题，我们在演奏时尽量使用巧力、爆发力，使音色感觉听去明亮集中。手指触弦发力对音色的控制分为：点、面、角、速、力。也就是说手指触弦不仅有力点、角度、力度的变化，还要富有弹性，更有“轻重”、“缓急”的区别。轻而不浮，在轻中不失清亮，即使是在极细微之处，手指也能弹出清亮而饱满的琴音；重而不滞、强而不燥，虽有“力拔三兮”之势，却不能给人卤莽之感。总的来说古筝演奏时音色的把握需要不断地、细致入微地去体会和研究，它会随着时间的增长而不断提高。
对乐曲的理解及创造力
音乐是善于表现感情的艺术，而表演又是一种创造。人的感情和理智都参与这种行为。在我国《乐记》上就曾提出过“凡音之起，由人心生也”的看法，并描述了音乐是用怎样不同的声音表达出哀心、乐心、喜心、怒心、敬心、爱心等六种不同的心情的。一般音乐作品常以乐曲的形式存在。用理性的头脑把乐曲作为基本依据加以认真对待，是音乐表演获得真实性的基本保证。因此对作曲家写下的乐谱进行认真的研究与理性的分析，对于获得真实性的表演是至关重要的。除此之外，我们还应该去揣摩作者的思想感情，了解作者的意图，充分理解乐曲所表达的内容。比如《秦桑曲》：演奏者就要站在主人公的角度去表现乐曲内容和思想情感，要带着一种深深的思念之情和急切的盼望团聚的心情去启动手指的急摇快刮，转入慢板则应进入深深的思念之中，情到高潮潸然泪下，真正做到“弦凝指咽声停处，别有深情一万重”。①再比如：《渔舟唱晚》主要描述：夕阳西下，碧波万顷的湖面上，若干艘渔船上的渔民愉快的劳动情绪，最后通过荡桨归舟于欸乃声中刻画出唱晚的情致。第一段开始速度要慢，宜用“慢板”，通过抒情手法，尽量发挥左手颤、滑音的妙用，使之实现优美愉悦的情调；当转入逐渐快速乐段“快板”后，要尽量情绪欢快活泼，层次清楚；尾声：描绘回忆和向往，应力求含蓄深远，有曲终不尽意之感。一位优秀的演奏者不是在弹曲，而是在弹情；不是在弹音符，而是在弹内容。①这就需要演奏者具有较好的二度创作能力。二度创作能力是指相对于乐曲的创作来说，演奏者既依据作曲家创作的文本而存在，也独立于这个文本。因为一首作品一旦创作定稿之后，其文本自身不再发生变化，然而对于演唱者来说，这个已经定型的文本仅仅是作品演奏表演的最初依据，通过这个依据，演奏者本人还必须加以发挥创造，以准确地表现作品从而进一步发掘这个作品的内涵，增强表现力，这就是常说的"二度创作"。②这种能力的培养需要有良好的综合素质，其中包括娴熟的专业演奏技术、扎实的音乐理论基础、大量的艺术研究和广泛的文化知识结构，其次要有多向思维的能力，大量实践，创造出具有自己艺术个性的音乐风格。如果演奏都是千篇一律，又如何能感到观众呢？所以必需要有鲜明的个性，全部的热情智慧和才能，最后就是要有丰富的想象力。演奏者通过对乐曲的重视，投入自己的情感，再发挥丰富的想象力，才会使得音乐动人心弦，神采奕奕。
感情与呼吸的配合
音乐是一切艺术中最接近抒情的，其中音是情之“体”，情是音之“魄”。音情二者以技巧的�
呼吸与情感的配合，对音乐的表达具有很大的影响。呼吸与乐曲演奏的神韵是密不可分的，它能带动演奏的音色美。带上呼吸的音色才能收放自如，优美动听。所以演奏中演奏技术的体现和演奏情感的表达都离不开呼吸的运用，如果少了呼吸那演奏肯定是平淡无味，气韵不通，无美感可言的。
演奏者在拿到一首乐曲时首先就应该以呼吸划分句式，形成抑扬顿挫。用以表情达意。以《林冲夜奔》为例，他描写了林冲英雄落难、怒火满腔、顶峰踏雪、夜奔梁山的壮举。演奏时应演奏出一种内心的愤概与被逼无奈的情感。但是我们又不能狭隘的去理解为仅仅是某种抽象的感情形式，我们还应该看到音乐中的感情具有民族性和时代性等等。在演奏时我们要随着乐曲的韵律、节奏，自然协调的呼吸方能将乐曲的情感体现出来，真正做到“情动气动、情急气粗、情缓气畅、情刚气壮，情柔气和”，用演奏意识控制呼吸，依据感情变化而变化，从而促进情感的表达。把自身的情感和呼吸投入到音乐表演中，这样才能真实、生动地传达情感。真正的感动自己，也感动别人。
参考文献：
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一、引导学生具备良好的职业素质
在竞争激烈的社会大背景下，学生就业问题一直是困扰高校发展的重大问题之一，尤其是在专业性较强的艺术类院校，这种问题更是尤为突出。所以，如何能够使学生在短短的四年学习生活中能够具备良好的职业素质和正确的就业观念就显得尤为的重要。而在这一点上，辅导员可以发挥其“密切学生”的优势，为他们做必要且积极的引导。首先，在艺术类院校中，能否使学生具备良好职业素养的关键就在于，是否能够使学生掌握一技之长。在有关艺术的俗语中流传着这样一句话：“艺多不养家。”“艺多不养家”主要是指有的学生学的技艺多了，却没有一个是“看家本领”，必定不能有所成就。究其原因：这些学生过分注重均衡发展，身上缺少核心竞争力，所以导致在激烈的社会竞争中，没有一个非常突出的亮点可以施展，而“艺多”也很有可能致使这部分学生对自身定位产生偏离，门门学科看着都还可以，慢慢地模糊了自己的职业定位方向。所以，学生在全面发展的同时也应该注重一门专业主项的学习。其次，专业的就业指导分析和清晰的职业规划设计也会对学生的就业起到极其重要的作用。具体措施有：一是对就业、考研、出国深造成功的学生案例进行细致分析，总结出其发展路径，并在学生遇到就业难题的时候，以案例分析为材料，展开答疑解惑。二是，开展各种就业、考研、出国深造的知识讲座，讲座中可以邀请教务部门、就业指导部门的教师以及优秀毕业生，从更加多元的角度引导学生明确就业方向、找准职业定位。
二、结语
音乐艺术类院校辅导员工作的特殊性，决定了其不但要承担高校学生学习和生活的服务性工作，更重要的是，要依据学生学科专业性强的特征，为学生今后的发展做细致耐心的引导工作。笔者作为一名音乐艺术类院校的辅导员，在这一点上深有感触，可以说，学生在校一天，辅导员的引导工作就要开展一天。只有切身的为学生着想，心系学生，才能使辅导员的引导作用在学生中间发挥最大的功效。
艺术论文范文参考 10
摘要：互动艺术是观众参与作品的一种艺术形式，以现代科学技术为支撑，结合艺术化的表现形式，呈现出多样化的互动艺术作品。互动艺术并不是简单的艺术与技术的叠加，而是更好的利用技术传达作品的理念，让观赏者从被动的欣赏作品到主动参与作品，体会作品。本文从分析互动艺术的特征出发，探究互动艺术的变化发展及如今互动艺术的发展现状和趋势，审视互动艺术特有的艺术魅力。
关键词：互动艺术；技术；交互
1、认识互动艺术
2、互动艺术的发展历程
3 互动艺术的应用与展望
参考文献：
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[6] 周娉。互动装置的体验设计研究[D].武汉理工大学。2008.
艺术专业论文 11
环境艺术设计专业作为一门新兴的独立、交叉学科，它将视觉艺术、听觉艺术等结合在一起，内容包括了平面设计、建筑学、室内设计、景观设计等，并涵盖了自然科学、社会科学、环境科学等多学科多门类的相关知识。围绕着建筑环境，从一个微不足道的景观小品到整个区域的设计规划，都是环境艺术设计师的工作任务与挑战。作为未来设计中坚力量的环艺专业学生，从一开始，我们就应该培养其敏锐的观察力、独特的创意能力、较强的知识整合能力与娴熟的表现能力。作为专业基础课程的设计素描教学，应该把握题材的多元化训练。打破传统素描教学中每天描摹单调、枯燥的陶陶罐罐、石膏像等局限的题材模式。不妨拓展一下教学思路，打破常规，让学生走进生活，用手中的铅笔，画出风格迥异的建筑、布局别致的园林景色、装修雅致的室内空间、构思巧妙的景观小品、创意独特的概念设计作品。这些充满趣味性题材的选择，对提升学生的造型能力、空间意识、形体结构认识、创新能力等都是传统素描教学无法比拟的。
二、表现技法多样性
传统绘画素描，绘画工具单一、媒介千篇一律，表现技法单调、循规蹈矩，注重形体的透视比例、空间的前后层次、画面的黑白灰对比关系等，机械地再现对象。评价一幅好作品的标准就是看对物体的体积、量感、质感的塑造。而今，我们对设计素描的表现手段应该有着更为广泛的理解：不再将其定义为单色的徒手绘画，它既有素又有色，既有描又有绘。在教学中不妨大胆尝试运用各种媒材，不同的表现手法也许会带来出人意料的成果。众所周知，环境艺术设计包含了建筑、室内空间、园林景观等内容，本就由不同的形体、结构、材质、肌理所构成，注定了其表现方法的不同。所以，在环境艺术设计专业设计素描的教学过程中不妨大胆尝试新工具、新材料、新表现手法的介入。打破传统绘画素描只运用铅笔、炭笔作画的定律；打破传统的透视、构图法则；打破机械、单调地用排线的方式表现素描的套路。尝试不同的表现工具，如铅笔、炭笔、毛笔、马克笔、油画棒等带来的视觉效果；体验在不同的材质，如卡纸、皮纹纸、布料、玻璃等媒介上绘画带来的享受；表现方法上可大胆运用涂、抹、揉、擦、贴、印等手法。表现方法的不同也会产生不同的视觉美感，既可写实表现，又可抽象、夸张处理；构图上运用视觉艺术构成法则，将素描与构成相结合，颠覆传统四平八稳的构图原则，打破固有的透视定律，追求作品的险、满、空、奇等带来的不同视觉感受。这样不但能激发学生的学习兴趣，还能丰富他们的设计词汇，锻炼他们的设计手段、表现方法等，达到提升学生设计创意、表现能力的目的。
三、培养学生的空间意识
环境艺术的构成基础是空间，是一门空间演绎的艺术，较其他造型艺术而言，它的空间构成属于三维限定性空间，兼具四维空间特性。意大利著名建筑理论家布鲁诺•赛维曾说过：“掌握空间与知道如何去观察空间，是了解建筑的钥匙。”所以，作为环境艺术设计专业基础课程的设计素描教学，须针对其专业的特点、要求以及艺术特征，加强学生空间意识的锻炼与培养。突破传统的空间认识观念，将“感性”的虚拟空间转变为“理性”的真实空间。在设计素描的表现中，可以运用重复、夸张、变形、打散、重构、分割、象征、意象等艺术表现手段重新塑造新的空间形象，锻炼学生根据空间的面积、位置、明暗、色调、主次因素等表现出空间层次的能力，也可借用透视法则锻炼学生的立体空间思维能力。以特定的室内空间作为描绘、表现的对象，运用设计素描的语言与表现形式，再注入作者的设计理念，即形成了一种全新的素描表达方式，作品带有了明显的空间属性，也为后续课程的学习奠定了坚实的基础。
四、注重学生创造性思维能力的培养
环境艺术的设计过程是将多门类学科和文化加以整合、再设计，合理、恰当地融入到环境当中，以创造出宜人、舒适的人居环境为目的，是对人居环境进行设计规划的一个思考过程。在这个思考过程中，不管是前期的概念成形阶段，还是后期的施工图绘制过程，设计的创意都直接来源于设计师们的创造性思维能力。数学家华罗庚先生曾说道：“人之可贵在于能创造性地思维”。创造性思维方式是人类区别于其他生物的主要特征，我们在探索未知的领域过程中，以感知、思考、理解、记忆、联想等能力为基础，努力探索，打破现有常规，最终获得新成果的思维过程。创造性思维是设计师必备的专业素养，是其灵魂所在。一个好的环艺设计作品，要具备独特的设计内涵、较强的生命力、深远的影响力。设计素描作为专业课程的前续课程，对学生的创造性思维能力的培养，有着举足轻重的意义。那么，如何去培养创造性思维，提升学生的设计创意理念呢？首先是想象与联想思维的训练。想象和联想思维是艺术创作中不可或缺的重要组成部分，成为艺术创作成败的重要条件之一。
在日内瓦万国艺术宫的一个国际活动上，曾征集以世界和� 平时常见以和平鸽作为设计主题，也许立即会出现这样的画面：一个婀娜的白衣少女，虔诚地跪在地上，举起双手正放飞一只洁白的和平鸽……都是如此的创意，怎能从众多的设计作品中脱颖而出呢？有一位艺术家，他的设计作品选用了一台斑斑锈迹的大炮，将炮筒经过拉长、打结处理悬挂在基座之上。斑斑的铁锈，传达出岁月的流逝；威严的大炮，会让人联想到它曾经屠杀的生灵，给人类带来的无尽痛苦，从而诅咒不义战争带来的伤害；经过打结处理的炮筒，失去了它固有的使用价值，从而告诫人类远离战火，永远不要战争。其次还有逆向思维，顾名思义就是反其道而为之。思考问题的时候，通常不按照人们的常规思路，而是从相反、相对的途径考虑问题。逆向思维方法具有很强的挑战性，常能得到突破性解决问题的方法，以奇制胜。当然，设计素描中的思维训练方式还很多，如求同与求异思维训练、发散性思维训练等。在教学中，我们要结合实际情况，采取不同的教学方法，鼓励学生展开想象的翅膀，发挥艺术创作的能力，勇于探索未知的领域，给传统的素描教学课堂赋予新的语言与活力。
五、总结
艺术论文 12
我国的苗族主要分布在贵州、湖南、云南、广西等地区。苗族的先祖可追溯到原始社会时代活跃于中原地区的蚩尤部落。苗族在历史上多次迁徙，大致路线是由黄河流域至湘(湖南)、至黔(贵州)、至滇(云南)。
苗族的音乐和舞蹈历史悠久，芦笙是苗族使用最广泛、最富特色的传统乐器。据文献记载，芦笙已有三千多年的历史。早在唐代，宫廷就有了芦笙的演奏。当时芦笙被称为“瓢笙”。芦笙是一种簧管乐器，音色明亮浑厚，可用于独奏、重奏和合奏。每当年节吉日、婚嫁之时，或盖房起屋、贵客临门，甚至年轻人谈情说爱，苗族人民都要吹起芦笙，载歌载舞。故自古就有“苗族不离笙”之说。芦笙一般由笙管、笙斗和簧片三部分构成。一般装有笙管6根，外侧开有按音孔，下端装置铜簧，插入一长形木斗或葫芦内，每管一音。在每二三根笙管上端合套竹管作为共鸣管。芦笙有型号大小，即笙管长短之分。小的仅十几厘米，大的可达三四米左右。现在经过改进，笙管可增至十几甚至二十几根，音域更加宽阔论文。
芦笙不仅是一种单纯的民族乐器，而且是苗族男女青年成婚的重要“媒介”。金色的秋天，是苗家制作芦笙的大好时节。每到此时，苗族小伙子便从山上砍回金黄的笙竹，开始削竹、制簧、安箍。于是一把把大小不同的芦笙随着一代新的芦笙手制造出来，并奏出一首首悦耳动听的曲调，引来姑娘的笑声和青睐。通过它能使青年互相了解，产生爱慕，结为伉俪。每当月明风清的时候，有情的小伙子手捧心爱的芦笙，吹一首婉转悠扬的爱情曲，姑娘们闻声，就心领神会，以清脆的歌声相对。这种恋爱方式，外行人是听不懂的，内行人一听自明。芦笙在苗族人民心目中是神圣和珍贵的，家家离不开它。
自古以来，芦笙吹奏，都要配合舞蹈，边吹边舞。芦笙舞，又名“踩芦笙”、“踩歌堂”等，是一种以男子边吹芦笙同时以下肢(包括胯、膝、踝)的灵活舞动为主要特征的传统民间舞蹈，因用芦笙为舞蹈伴奏和自吹自舞而得名。它流布于贵州、广西、湖南、云南等地的苗、侗、布依、水、仡佬、壮、瑶等民族聚居区，在苗族地区尤其普及。关于芦笙舞的历史，过去文献中多有涉及；从已出土的西汉铜芦笙乐舞俑分析，芦笙舞至少已有两千多年的历史。明清以来，更广见于文献和志书之中。明人倪辂《南昭野史》有“每孟岁跳月，男吹芦笙，女振铃合唱，并肩舞蹈，终日不倦”的记载。足见芦笙舞早已是苗族人民传统节日活动的重要内容。不过根据各地区习俗的不同，芦笙舞的形式也有差异。贵州黔东南苗族地区的“踩芦笙”,规模宏大，芦笙队伍的演奏气势磅礴，动人心魄。芦笙手们一边吹，一边熟练地做出倒立、吊挂、倒背、爬竿、叠罗汉等高难动作。有的地区则以芦笙独舞和双人舞见长，旋律明快，节奏自由，技巧娴熟，引人入胜。有的地区芦笙较小，男吹女舞，节奏平稳舒缓，耐人寻味。这些不同风格的芦笙艺术，汇聚成一朵富有民族特色的艺术奇葩，代代相传。
芦笙是苗族文化的一种象征，苗族芦笙在吹奏表演方面把词、曲、舞三者融为一体，保持了苗族文化艺术的原始性、古朴性。千百年来，芦笙在苗族人民中具有巨大的凝聚力，把苗族人民的心紧紧地连在一起。苗族人民用芦笙来庆祝劳动丰收，鼓舞人们奋进，寄托了美好的人生理想。
艺术论文范文参考 13
【摘要】艺术审美教育需要联系时代背景，不断完善学生的艺术审美思维，培养学生在艺术审美过程中，注意艺术理论联系艺术实践，艺术实践结合艺术创新，要不断完善对艺术实践的认知，才能意识到艺术实践的重要性，才能完成艺术审美教育的目的和要求。
【关键词】艺术审美教育 藝术实践
一、艺术审美教育的现状
近几年，高校都比较重视通过艺术审美教育提高非艺术类学生的审美情趣、能力和修养，但是在具体的教学过程中，现有的非艺术类学生的艺术审美教育教学方法还停留在学生主要是在课堂上听一些比较枯燥的艺术审美知识，只注重从一种知识的角度去认识艺术，如果我们的课程只是能够看着或听着某个艺术作品，讲出一大堆艺术大师的人名、作品创作的背景等问题的话，就很难激发学生的兴趣。因为这些内容无法令学生留下深刻的印象。因此，部分学生完全没有进入到艺术审美的情趣、自我思考和创作的过程中。
美学知识和美学原理是开展艺术审美教育的基础，但是，由于时代的发展，艺术实践性越来越被重视，因此，艺术审美教育的培养方向就应该向实践培养出发，并结合美学知识和美学原理进行大学生个性和创造能力的拓展，这样的模式才是艺术审美教育最成功的形式。
二、艺术审美教育和艺术实践的关系
广义的艺术审美教育，内容有三点：文化知识的教育；艺术技能的教育；艺术行为的教育。就艺术审美教育来说，无论哪点，都必需要通过“艺术的行为”来实现的。但在非艺术类学生的艺术审美教育中，不难看出，我们注重强调艺术审美教育中的艺术文化知识，而忽略了艺术实践自身对于人的文化价值。艺术审美教育是对生活在不断变革的社会中的“人”进行审美教育的工作，因此不能培养学生用某种固定的思维去进行艺术审美，不能考查学生记住了多少著名大师的名字和作品，而要通过学习，考查有没有激发起学生对艺术美和生活美的兴趣，有没有培养学生具有全面的、健康的审美情趣，有没有提高学生创造美的能力。一个百花齐放、积极参与、互动性强和不断变化的艺术审美课堂才是我们所要的。这些因素虽然产生的是一种“隐性”效果，可是对学生而言更能产生深刻印象的效果。
三、艺术实践的重要性
艺术审美教育一定要从“课堂走向生活”。艺术审美教育应该让学生体会到生活和学习中的快乐，让他们意识到这种快乐身边随处可见，学生会因此获得一双随处可以发现美的眼睛。艺术审美教育如果没有生活实践的参与，学生掌握的永远都只是一些表面的艺术文化知识，无法发现和感受到到艺术的乐趣和美。
在具体的艺术审美教育过程中如何实现艺术实践呢？就是一定要让每个学生积极主动并且有兴趣的参与到艺术实践教学活动中来。在上世纪90年代的美国，他们的综合艺术课程就要求学生除了全面的了解艺术的常识、欣赏的技巧，还要求学生自己参与进行创作，在整个过程中，学生不断地体验各种艺术美和挖掘创造美的能力，这就符合艺术审美教育的初衷——发现、感受、了解、欣赏、创造，也就是从美育到生活，再从生活到美育的过程。通过这种教学方式，加深学生对于艺术美的认知，同时也提高了学生发现、感受、了解、欣赏和创造美的能力。我国现在的大学生思想较活跃，都有自己比较关心的问题，艺术审美教育中的艺术实践可以从学生比较关注一些问题入手，鼓励学生通过实践来表达自己的看法。例如现在比较热门的“校园穿着配饰”和“校园安全”问题，就可以让学生通过配饰手工制作、服饰色彩搭配、形象设计、服装秀和剪报、海报、漫画、拼贴、电脑美术等多种艺术实践表现形式；表达对自身对“校园穿着配饰”和“校园安全”问题的关注、看法以及艺术审美的情趣和能力。学生作品的质量并不是最重要的，重要的是让学生参与到其中，感受到艺术实践中的乐趣和美；并且可以促使学生不受局限的展开思维进行艺术美的欣赏和艺术美的创造。艺术本身具有很强的开放性，现代社会技术与艺术的同步发展就体现了这点。因此我们的艺术审美教育也必需具有开放性，提供足够的思维和创造的艺术实践空间给学生，激发他们的思想和创造力。
四、结语
艺术是美好的，随着社会的变革，很多的艺术因素和观点也在不断的更新，因此，艺术审美教育需要联系时代背景，不断完善学生的艺术审美思维，培养学生在艺术审美过程中，注意艺术理论联系艺术实践，艺术实践结合艺术创新，要不断完善对艺术实践的认知，才能意识到艺术实践的重要性，才能完成艺术审美教育的目的和要求。艺术是抽象的，具有灵魂性的，只有感情融入，亲自参与的艺术实践中去，才能达到健康、全面的审美表现，这才是艺术审美教育终级目的，所以，在高校非艺术类学生的艺术审美教育过程中，艺术实践非常重要。
参考文献：
[1]张京峰。新美域[J].论艺术行为在师范美术教育中的重要性，2013.
[2]张沛。鞍山师范学院学报[J].高校艺术审美教育的现状及其对策分析，2007.
[3]李礼，刘晨昊。艺术时尚（下旬刊）[J].非艺术专业学生的艺术审美差异化研究，2014.
艺术论文范文参考 14
【摘要】传统元素与现代环境设计合理结合，是传统精髓的精神内核在设计中的自然反映，使优秀的传统文化中精髓部分得以继承，只有将传统文化理念灌输入现代设计思维中。本文针对传统文化元素在现代环境艺术设计中的运用进行简单的分析和阐述。
【关键词】中国传统元素；环境艺术设计
1、环境艺术设计中的中国传统文化
（1）思想元素
古代老子提出了动静观，认为万物以静为根本，进而生成主静为无，宁静致远的思想。随着动静观念在哲学上不断发展，形成了相互依存、相互包容、相互转化的动静关系。正是这些“主静”“动静合一”等学说，不 在我国园林的整体布局，间架结构、景物分布、空间陈设等，“动静相生”观念在环境艺术设计中得到广泛应用。
（2）书法元素
传统的书法作品直接应用于室内装饰中，能引申哲理，突破室内的有限空间，它能指引鉴赏者从心里的角度产生人生的，历史的，宇宙的哲学感悟。“屏刻”和“夹沙字画”在室内空间的应用，是文字融入室内环境的一种很高雅的方式。
不同的线条组合成的字体就不一样。字体与环境相配合是慎重考虑的问题，不同的字体在相同的环境，相同的字体在不同的环境中所呈现的景象是不一样的。古典的亭台楼阁壮观雄伟，那里的店家、柱廊、所有的牌匾，都有书写苍劲秀美的书法。古老的建筑群，配着端庄神逸的书法，多么地协调、相得益彰。书法在这里起着画龙点睛的作用。试设想，如果这里写的都是歪七竖八，不成体统的字，再加上错别字，那会是一种什么后果？又如北京的故宫，象征着皇权、雄伟、庄严、肃穆。那里面的字都是规规矩矩的，从没有随意性的字出现。那些规范严整的书体正好村托着周围的一群宫殿式古建筑，有机地形成了一个统一体。假设其中夹杂着飞龙走凤或鸡飞蛋打式的字，再掺以错别字比比皆是，那将是多么地一塌糊涂，像在漂亮的脸蛋上抹上黑墨一样难看。
2、传统文化要素与现代环境艺术设计的可持续性发展思想
我国传统文化具有儒、释、道相补充的文化特征。中国人一直把自己视为自然环境的一部分，与环境息息相通，这种自然观构成了中国传统环境艺术设计及室内设计的基本思想，如中国园林就是一种把自然之美与人工之美高度结合起来的环境空间，人工环境与自然融为一体，相得益彰。正确处理技术与传统文化、技术与环境等各种矛盾关系，走可持续发展的新型的设计道路，因地制宜地确立技术和生态在环境艺术设计中的地位，并适当地调整它们之间的关系，探索其发展趋势。人们应正确对待发展与环境的关系，悉心爱护民族的文化传统和艺术精神，用艺术设计的方式，走我们自己的发展之路，创造新的生存环境，这就是现代环境艺术设计的指导思想，这种自然景观构成了中国传统工艺的发展。中国园林就是一种使人工美与自然之美高度结合起来的环境空间，人工环境与自然相得益彰，融为一体，可以清楚地看到在人与环境的关系在不同的发展时期处于不同的层面上。人们潜意识被动地改造了自然生存的环境。科技的进步给人类的发展带来了前所未存的物质财富。人与环境要有良好的方向发展，“可持续发展”理论被人们普遍认同，“把自然还给人，把人还给自己”，这成为当代的主题。
3、加强中国传统元素在现代环境艺术设计中的运用
将传统的中国元素完美的融入进室内设计当中去是一门必修的课题。将现代元素导入其中，结合实用主义和功能主义，形成具有特色的现代中式设计。
（1）对传统建筑文化进行发扬和转化
将传统建筑完全功能型、自发式的形式上升为概念化的，融入审美取向的和形式结构的艺术与功能并重，主动形式的形式语言。使当代建筑既含有传统建筑的某些特征，又要保持与其距离，表现出创造性。吸收传统建筑的就地取材的特点，尽量采集运输便利的材料作为建筑和营造环境的原料和装饰元素。包括使设计能充分利用当地的地理条件和气候因素完成建筑的实用功能，减少资源的浪费，做到环保、节能、循环利用与可持续发展。具有传统文化印记的设计更容易让人接受，产生共鸣。在当前追求高效、简洁、快速生活节奏的生存方式中，在传统积留的生存经验记忆中选取与之对应的设计元素，是人们在忙碌的生活中，不失时尚感的情况下追溯记忆，幻想与回归久违的自然，完成一种感觉上的精神释放与安逸。
（2）推陈出新
设计应具有强烈时代感环境艺术设计的目的旨在提供生存场所的合理创意和环境的适性整合，创造出一个即合乎自然发展规律，又合乎人文历史发展规律的，具有较高品质的生存空间。
在现阶段创新的前提应当是：我们设计的东西，首先是现代的，同时是中国的，如果是在某一个地区，还应体现那里的地区特点，这才是扎根于时代和充满乡土气息的有血有肉的好作品。对人的人文关怀是当代环境艺术设计中的重点，这促使环境艺术的审美重心从审美客体转向审美主体（人），同时也促使研究审美的注意力从“美”转到“美感”上，在以人为主体的当代环境观下，人的生理、心理需求的满足构成了环境艺术审美的美感。相对于其它类别的艺术，生理上的舒适是环境艺术审美美感的一大特点。这是其它艺术所难以比拟的，因而生理需求的满足在环境艺术审美中具有远远超出其它艺术审美中重要价值。任何艺术总是满足心理、精神的需求为最高目的，人们审美意识不断提高，人们已不满足于环境艺术中的生理舒适。而将审美热情更多地倾注于在环境艺术中获得心理上的“幸福感”，更看重环境艺术中所蕴含的文化意韵，情感深度等等，从中获得更感慰人心的精神享受。
4、结语
在众多设计元素中，中式风格占着举足轻重的位置，随着时代的发展，国际设计界开始越来越重视中式元素和符号的使用。我国的环境艺术设计发展更要创造出自己独特的风格，设计体系中展示出民族的精髓和中国传统文化特色，创作适合和展现中国本土的民族性的作品。在传统元素使用和结合的过程中要通过结合其精髓进行相应的设计流程和设计措施。所以设计的传统文化灵感更主要的是契合居住者内心深处的深层次心理需求，是通过对民族文化的感情流露方式表现其内心活动的过程。
参考文献：
[1]
席田鹿。《环境艺术设计史导学》.黑龙江美术出版社，2004年3月第一次印刷
[2]田耕之。《书法美学原理》.华文出版社，2003年5月第一次印刷
艺术专业论文 15
（一）学生缺乏学习积极性，课堂纪律较差。
艺术类专业学生个性较强，学习纪律意识淡薄，部分学生认为学艺术就要张扬有个性，追求自由，不应受到过多管束，思维发展 在一些错误的思想影响下，盲目崇尚所谓的自由和浪漫，不愿自觉接受学校纪律约束，上课迟到、早退等现象较为普遍，随意旷课也屡见不鲜，尤其是公共课，特别是外语、计算机等课程，大部分学生有抵触心理，学习兴趣普遍不高。
（二）学习动机不明确，为应付考试而学习。
不少学生在入校前并非出于对艺术的爱好和追求而学习艺术，而是因为学习成绩偏低，报考非艺术类普通专业根本没有录取希望，因而“临时抱佛脚”，突击参加艺术类考前培训参加高考。这种情况导致很多学生进入大学后对自己所学专业不感兴趣，缺乏学习动力，也缺乏对自己大学生活和专业学习的一定规划。
（三）学习氛围不浓厚，学科竞赛活动较少，缺乏团队精神。
多数新建地方本科院校开发的课程地域特色、民族特色不鲜明，对学生吸引力不强。多数学生认为，目前艺术系乃至整个学院的学习氛围不浓厚，课程体系设置不成熟，也尚未形成真正能吸引学生的公共艺术课程体系，学生缺乏良好的艺术创作氛围，因而团队协作意识难以形成。学科竞赛是艺术类学生专业能力体现的重要平台之一，而由系部组织参加全国或全区类的学科竞赛活动偏少，这限制了学生与其他院校同类专业的交流，制约了学生的发展，也影响了良好学风的形成。
（四）只注重专业技能训练，忽视综合文化素质培养。
艺术类生源输出主要依靠中学美术类、音乐类特长班，以及由个人或社会举办的各种培训机构。这些机构主要以应付专业考试为主要学习目的，培训中灌输学生以掌握艺术技能为主，忽视整体文化基础课的学习。在这种盲目追求升学率，忽视培养质量的培养模式下，艺术类专业学生知识结构普遍不均衡。由于长期受到只突出专业素质，忽视整体素质的应考观念影响，多数艺术类专业学生在入学后，其学习重心全部放在专业课程上，对文化课程不感兴趣，觉得文化课程难度大，枯燥无味，没有学习理论知识的动力。因此，很多学生错误地认为大学期间专业课程比文化课重要，这种恶性循环给学风建设以及学生的管理工作都带来了诸多障碍。
（五）艺术类专业学生兼职现象普遍。
部分学生片面地追求实践锻炼能力，热衷于拉项目搞演出、做设计，严重影响在校的学习时间。掌握一定专业技能后，艺术类专业学生在社会上较容易找到兼职工作，虽然通过兼职能增强学生的社会实践能力，减轻学生家庭经济负担，但在社会的某些消极方面影响下，也有一些学生没有把握住自己，认为“读书无用，不如赚钱”，出现旷课赚钱影响学业的负面现象。
二、加强学风建设的建议
（一）强化思想政治教育及素质教育，引导学生树立明确的学习目标，激发学习动力，激励学生成才。
学风能反映学生的思想道德素质。学风建设活动中，学生的思想政治教育工作尤其重要，可以结合爱国主义教育，弘扬百色起义革命精神，分阶段、有目的、有步骤地开展思想政治教育工作，从根本上解决艺术类专业学生的学习原动力问题。此外，学风教育在新生的入学教育即可展开，一年级新生的学习目标和理想要尽早确定。只有这样，大学四年的学习原动力才能保障，学生才会有明确奋斗的目标与方向。同时，思想政治工作必须结合学生的思想实际，有针对性地引导学生树立正确的世界观、人生观和价值观，做好大学学习规划，逐渐增强学生的学习动力，培养学生的学习兴趣，端正学习态度。
（二）加快应用型人才培养模式改革，完善课程体系，制定合理的考核制度。
应用型人才培养方案的改革对各个艺术类专业的课程体系都提出了新的要求。因此，在艺术类专业的课程设置中，应当突出能力模块设置，设置能力模块有利于以能力统筹课程，满足学生的实际需求和提高学生的学习兴趣，而文化必修课教学方法的更新，对提高学生的学习动力也有着重要作用。此外，还应制定合理的考核制度，打破艺术类专业传统的“操作式”或“专题设计”的考核形式，加强对学生日常学习的考核要求，从而促成良好学风。
（三）抓好校园文化建设，打造特色公共艺术教育课程体系，构建浓厚的学习氛围。
艺术论文范文参考 16
摘要：二度创作属于二胡艺术实践过程中不容缺少的重要环节，二胡艺术家们往往会结合自身阅历或者是情感认知等情况，运用科学化的技法技能就二胡音乐作品实施个性化以及多维度展现。此外，二胡演奏者们所具有的较强二度创作能力并不是在短时间内培养出来的，必须要在长时间艰苦奋斗的基础上形成。二度创作能力培养需要在扎实基本功前提下，不断积累阅历，促进艺术素养水平的提升，全面把握二胡音乐所具有的地域性以及时代性，增强二胡创作能力。本文就二胡表演艺术中的二度创作与实践展开详细论述。
关键词：二胡表演艺术；二度创作；实践
音乐一度创作属于二度创作的重要基础。从某种程度上讲，所有音乐作品都是借助音乐表演二度创作向听众展现的，然后在表演人员艺术表现力基础上引发听众们的共鸣。然而由于表演人员自身条件因素，音乐表达或者是传递期间给予听众的感受往往是不同的。具体来说，二胡艺术的音色比较柔美，且表现力非常丰富，在表现手法方面是多层次的，并因历史文化渊源受到广大听众朋友们的喜爱。因此，现阶段对二胡音乐实际表演过程中存在的二度创作进行分析研究，不仅在二胡教学方面有重要意义，而且在社会效应方面也发挥着重要作用。
一、二胡表演艺术中二度创作的重要性
从专业化角度出发，所有表演艺术发展过程中，其艺术行为可以从狭义角度划分为三个阶段，也就是创作阶段、表演阶段以及欣赏阶段。在这三个阶段当中，艺术家属于创作以及表演艺术的自然主体，而观众则属于欣赏层面的自然主体。音乐作曲家们把多种音乐素材以及创作技法进行有机，使其成为一个整体，并在此过程中融入相应的思想感情，最终创作出完整化音乐作品，该音乐创作过程我们可以将其称为一度创作[1]。而在一度创作前提之下，音乐表演人员结合自身对于相关乐谱的不同解读以及对于乐器本体技法情况的熟练掌握，借助乐曲充分表达内心情感，然后将表演人员的自身经历不断融入其中，进而表现出风格各异的表演，这种表演可 从二度创作的特点上来看，二度创作中的表演人员在整个表演期间不仅要充分阐释作品深层次内涵，而且要融入一定的创造性表演，使其与他人的艺术有所区别，体现艺术的个性化特征。
音乐表演是二度创作，同时也是赋予音乐作品强大生命力的创造行为。音乐表演不仅要做到对原作品的真实再现，而且要借助表演进行不断创造，就原作品实施补充以及丰富，致力于超出作曲家本来设想，加入新鲜活力，使表演艺术重焕光彩，这也是音乐表演以二度创作形式存在的本质性意义。因此，我们可以说二胡演奏人员的二度创作属于二胡演奏者对作品生命力的再次赋予，在一定程度上避免了二胡演奏生硬再现原作问题的出现[3]。实质上，二胡音乐演奏并不是对于前辈艺术家相关演奏技法以及表现情感的单纯性模仿，也不是机械朗读原作谱面，而是表演艺术家们在自身阅历、情感积累以及能力认知等条件下，就二胡音乐作品实施的个性化以及多维度的再次展现[4]。只有这样才可以充分满足相关欣赏主体所具有的多元化审美，从根本上促进二胡艺术可持续性发展。此外，二胡演奏家作为二胡音乐作品以及观众之间的重要桥梁，所发挥的沟通交流作用是显而易见的，一个优秀二胡作品只有在融入演奏人员个性化二度创作的基础上，才可以从内容层面以及形式层面进一步赋予音乐作品核心灵魂。
二、二胡表演艺术中二度创作实践
通常情况下，二胡表演艺术当中的二度创作需要经历三个阶段，具体如下：
第一，二胡表演二度创作的理论准备阶段。在该阶段，我们需要就作曲家所处于的特定化历史时代以及社会背景进行全面化了解。究其原因在于作曲家属于特定历史时代中的人，其创作往往会受到特定历史时代发展情况、社会意识以及民族文化等方面的滋润以及影响，进而在实际音乐作品当中表现出个性化的人格追求以及独特风格特征[5]。总而言之，二胡作曲家作品中一般会凝结着作曲家自身对于大自然、社会以及道德等的感受与领悟。
第二，二胡二度创作的技术操作阶段。当顺利结束理论阶段准备之后，就可以进入到技术操作阶段中去了。因二胡作曲家一般是借助旋律、复调、曲式以及和声等创作手段，实现对自然、社会与道德等感受有效融入的。所以说，在二胡演奏家二度创作过程中，创作人员必须要就乐谱旋律、和声以及复调等技法，从技术层面实施深入化分析研究，最终实现音乐作品全面化、系统化的呈现。例如，在二胡演奏曲目《二泉映月》当中，二胡演奏者应注重右手弓法的合理运用，然后选择存在音头的专业化换弓方法，也就是音头换弓，还可以叫做“传统换弓”。其特点在于所发出来的音色相对来说比较扎实质朴以及刚劲有力，能够很好地切合《二泉映月》所要表达的内涵。如果在实际工作中运用无音头换弓方法，也就是“无痕换弓”，则音乐听上去会过于华丽以及水灵，无太多的冲突感，而且爆发力也相对较弱，难以充分表达出《二泉映月》的苍凉以及刚劲。
第三，二胡二度创作的演绎对比阶段。从某种程度上讲，一部非常优秀的二胡演奏作品，必须要经受得住历史考验以及时间冲刷。当优秀作品经历了一定的时代变迁之后，往往会被具体所处该时代的作品演奏家们因历史文化因素以及人文自然因素等的影响而做出不同演绎，甚至会在同一时期内演变出差异化流派，一般表现为不同演奏人员或者是同一个时代但流派存在差异的演奏家们在对同一部作品进行演绎的时候，会表现出个性化风格特征[6]。所以说，一个较为成熟的二胡演奏家必须要在文化以及艺术不同风格或者是不同流派对比研究当中，紧紧把握作品内容以及独特化的艺术个性。然后在此前提下，二胡演奏家们再参照或者是吸收同时代不同演奏家们关于作品演奏的精华，进而发掘出自己对于音乐作品的独特感受，形成合理化的音乐演奏方案。当然，当演奏家形成个性化艺术风格的时候，应紧紧把握“度”的基本原则。该原则要求二胡演奏家们必须要就自己的独特艺术表现力与作品原始创作意图进行平衡。比如，美国音乐评论家约瑟夫巴诺威茨指出：“成功的演奏必定是演奏者的个性与作曲家的个性融为一体，而不是任何一方受到压抑。这两者之间永远需要一种微妙的平衡。”
三、结语
总而言之，二度创作属于促进二胡艺术可持续发展的重要动力源泉，同时也是构架二胡作曲人员以及听众的关键性桥梁。当二胡演奏者拥有较强二度创作能力之后，就可以增强二胡音乐作品所具有的流传度，从而充分发挥二胡艺术价值。然而，二胡演奏者所具有的二度创作能力培养属于一个长期过程，必须要具有较为扎实的基本功，并具备较为丰富的生活阅历，不断提升艺术素养，全面把握二胡音乐作品所处于的地域性特征，增强二度创作能力。
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艺术论文 17
关键词：宗教艺术宗教崇拜艺术
在艺术史发展过程中宗教元素一直伴随而来。我们把宗教与艺术，放到整个人类发展历史上公正地看，就不难发现，宗教和艺术之间，存在着许多内在的联系。有 了解宗教和艺术的关系，可以让我们更加认识宗教艺术遗产和现今的宗教艺术，对认识宗教和艺术这两种意识形态的特殊性，也具有一定的理论意义。
一、什么是宗教艺术
宗教艺术是以表现宗教观念，宣扬宗教教理，跟宗教仪式结合在一起或者以宗教崇拜为目的的艺术。它是宗教观念、宗教情感、宗教精神、宗教仪式与艺术形式的结合。
宗教经典与宗教仪式中文学色彩较浓的神话传说、故事。如《圣经》中的洪水神话与伊甸园的故事，佛经中的太子成道故事等等。这些故事的结尾往往要点明其所包含的宗教意义，或劝人改恶从善，或告诫人严守教规，或宣扬神佛的神明与智慧。虽然在宗教经典中许多故事来自民间，但是由于他们自身融入了浓郁的宗教色彩，而且是用来宣传宗教教义，为宗教服务的，就应属于宗教艺术。另外借用艺术形式宣传宗教教义、以宗教崇拜为目的的小说、诗歌、绘画、戏剧、舞蹈等。如音乐，《吕氏春秋·古乐》载：“昔葛天氏之乐，三人操牛尾，投足以歌八阙：一曰载民，二曰玄鸟，三曰遂草木，四曰奋五谷，五曰敬天常，六曰建帝功，七曰依地德，八曰总禽兽之极。”葛天氏是传说中的氏族首领，这段配以舞蹈的音乐分为八段：第一段“载民”是歌颂土地恩德的；第二段“玄鸟”歌颂葛天氏部族的图腾；第三段“遂草木”则祈求草木茂盛；第四段“奋五谷”祝愿五谷丰登；第五段“敬天常”崇奉上天；第六段“建帝功”则赞扬天帝的公德无量；第七段“依地德”酬谢土地神祗；第八段“总禽兽之极”祝愿飞禽走兽大量繁衍生殖。这段音乐表明当时的艺术是宗教祭祀仪式、生产活动混融一体的。还有与宗教教义、宗教仪式紧密结合的宗教建筑（包括神坛、祭台、教堂寺庙、佛塔等）、宗教音乐、宗教绘画和宗教雕刻等。如伊斯兰教的清真寺建筑物是最典型的宗教艺术建筑。在清真寺里既能找到浓浓的宗教气氛又能找到宏伟的建筑艺术。伊斯兰伟大先知说：安拉很关爱其仆人，他将大地作为仆人崇拜他的地方。因此，每一位穆斯林当进入任何一座清真寺时都有一种回到家的感觉。他认为，在清真寺他是与真主相会，因此他就首先洗净，先涤除人身体外部的污垢，然后诵读古兰经和通过与安拉交言洗涤和纯洁内心世界。因此，所有的穆斯林建筑家和工程师尽其所能将清真寺建得既肃穆又壮观，使仆人与安拉交言时保持更多的精神气氛。
二、宗教艺术的产生
艺术与宗教，在起源时就紧密地联系在一起。今天看来属于艺术活动的许多东西，如歌舞、绘画、雕塑、建筑等，在当时却主要是一种宗教活动，而不是单纯审美活动。原始人对宗教的信仰和崇拜，是原始艺术产生和发展的直接动因。
洪野荒蛮的时代，面对那不可理解又不可抗拒的大自然，已经与动物分手而能运用工具、使用火的原始人，便在原始的自意识中萌发出宗教的意识以及原始艺术的意识。当旧石器时代尼安德特人埋葬死者时，在尸骨的周围安放几只羚羊的角，或黄鹿的角，或几件燧石器，它便已具有了宗教的意识与宗教的仪式，这种仪式在当时也便有了宗教艺术的萌芽；当山顶洞人在尸体的周围撒上铁矿粉末，以及用这种赤铁矿粉末去染抹各种穿孔的骨坠、兽齿等装饰物时，它也同样具有了宗教艺术的雏形。
原始宗教对原始艺术的产生和发展，起了巨大的催化和推动作用，成为艺术起源直接的、生生不息的主要原动力，这已是不争的事实。宗教和艺术之所以从诞生之时起，就如孪生兄弟手拉着手地来到人间，其主要原因在于，宗教和艺术都是原始人为了“掌握”世界和“掌握”自己而进行的实践活动，它们是一件事情的两个方面。从这个意义上讲，艺术与宗教都起源于原始人的社会实践与混沌意识。在原始时代，原始宗教、原始艺术本身又是原始生产活动中的一个不可缺少的环节，生产、宗教、艺术往往是三位一体混融在一起的，原始宗教与原始艺术本身既是原始人社会实践的一部分。这种实践行为的混融性便决定了思维意识的混沌性。艺术正是这种混融性实践与混沌性思维的产物。
三、宗教艺术的审美价值
艺术论文范文参考 18
一、传统艺术文化对室内设计有着极其重要的影响
影响室内设计师设计理念的因素有很多，其中最重要的就是设计师的文化心态、思维方式以及审美观点，总之，任何一个室内设计师都会受到传统艺术文化或多或少的影响。就中国传统艺术文化而言，其有着自身的特色，比如朴素、自然、真实以及简约等等，这些特色使得传统艺术文化得到广大设计师以及使用者的青睐，当然，它也给室内设计提出了更高水平的要求，比如要求简约之美、艺术之美以及设计实用等等，这些要求既与当下流行的室内设计风格相呼应，也促进了简约风格在中国现代设计中的发展。
二、传统艺术文化在室内设计中的应用
（一）室内设计中传统艺术文化人文艺术思想的渗透人文艺术思想是影响中国传统文化中艺术创作的最重要因素，而人文艺术思想也就是平时我们所说的意象思维。在中国，意象思维可以理解为是一种创造性的思维，它强调人们必须把握真理，而掌握真理可以着重从特殊的、具体的直观领域出发，当然，这种意象思维有着自身的特色：首先，这种思维能够永远的保持活力，不断的向前，不断的发展；其次，这种思维能够实现不断的感悟，最终获得发展的力量。为此，人们提出要将这种创造性思维运用到室内设计中去，已到达预期的创意效果，当然，一个好的人文艺术思想的生成，必须伴有一定的条件，这就需要人们不断的去发现，努力的去挖掘。
（二）传统艺术文化中相关元素在装饰艺术中的应用在漫长的历史长河的中，中国不断形成了有自身特色的民族文化艺术，这些艺术具体表现出来可以是不同的图形以及不同的纹饰，当然，它也包括了各种各样的图像，比如动物、植物、图腾、人物以及景物等等，最重要的，它还包括一些从远古时期流传下来的典故、成语等，这些纹饰、图腾以及图案等有着自身不同的内涵，在经历成千上万年的沉淀后，更是呈现出不同的比喻意义。21世纪的今天，人们提出要将传统艺术文化运用到室内设计中去，那么这种运用具体怎么体现呢？本文提出应不断的将设计语言与相关的传统艺术文化相结合，不断的用图腾、符号以及各色各样的纹饰去，装饰室内，也就是说，可以直接把这些图腾、符号当作室内设计的装饰元素，不断营造室内装饰的“传统”氛围。
（三）传统艺术文化在室内陈设艺术中的应用陈设艺术，顾名思义就是在室内设计中如何摆放相关的饰件等，它在人们的生活中扮演着举足轻重的角色，此外，陈设所产生的艺术效果往往能够很大程度的促进室内装饰。在以前的中国，陈设风格往往带有以下两种品质：一是庄严典雅的气度，二是潇洒飘逸的气韵。总之，陈设艺术主要是指通过在现、点睛以及提炼等手法不断的向人们传递那种深层次的、内在的、可延续的传统。比如可以在室内设计中装饰一些带有情调的、能够增加自然意境的饰物，此外，还可以在设计时加入一些自然物像麦穗或者是玉米串等等，这样的设计会使得室内显得格调高雅、造型优美，既有利于让陈设具有一定的内涵，以使人怡情悦目，也有利于赋予室内以一定的精神价值，最终促进室内设计的发展。
三、结语
综上所述，中国传统艺术文化在室内设计中有着至关重要的地位，充分应用传统文化是室内设计发展的重要手段，总之，中国传统艺术文化与室内设计密切相关：首先，室内设计能够有效反映传统艺术文化；其次，传统艺术文化对室内设计有着极其重要的影响。但中国传统艺术文化在室内设计中的应用人们仍很懵懂，为此，本文提出了其在室内设计中的三种应用，分别是室内设计中传统艺术文化人文艺术思想的渗透、传统艺术文化中相关元素在装饰艺术中的应用以及在室内陈设艺术中的应用。
艺术论文 19
一
马克思在《雇佣劳动与资本》一文中认为：“能同别的生产品进行交换的一切产品都是商品。”商品的实质是一种交换关系。它必须体现为一定的物质形态，但又不是物质的本质属性，而是一定社会关系的凝结，因此，需要从人与人、人与物、物与物的联系环节上把握和认识。既然商品体现的是某种社会关系，也就决定了它必然是一个历史范畴，产生于一定的历史时期，存在于特定的历史阶段，随着社会的发展而消亡。
从马克思对商品的理论界定，我们可以看出，商品这一概念的提出，根本就不是基于物质的自然属性或形态，而完全是从其社会属性出发，目的在于考察和研究某种物质产品在人类社会生活中所处的地位与作用。换句话说，某产品的商品性质，不是取决于该物质本身，而是取决于它所体现的社会关系。这是马克思研究商品的出发点，也是我们探讨艺术商品所遵循的一个基本原则。因此，我们不能在商品与某一具体的劳动产品之间简单地画等号或不等号，而应该具体分析，区别对待。对于艺术产品（作品）更应该如此。
确定某艺术产品是否商品，主要看它是否具有交换性，其生产目的是否为了同别的产品进行交换，事实上是否参与了交换。这就要求我们要善于从流通和消费领域来对艺术商品进行认定。根据马克思的商品理论，艺术商品就是：为了同社会其他生产部门进行产品间的交换，换取维持自身生存的生活资料和进行再生产的物质资料，或是被作为一种获取社会财富的手段而生产出来的艺术劳动产品。
与一般物质产品相比，艺术产品（作品）的社会形态要复杂得多、难于把握得多。一般物质产品只有在自给自足的经济社会才更多地呈现出非商品形态，而随着社会的发展特别是在发达的商品经济时代，都要或早或迟地体现为一定的商品形式。艺术品则不然，即使在商品经济最为活跃的时期，也常常会以非商品的面目出现。为什么会出现这种情况呢？这可能跟艺术的特质与生产方式有关。艺术创作说到底还是一种情绪的宣泄。从创作者的主观愿望看，有的仅仅是为了表达、抒发创作者的某种思想情感，至于别人接受承认与否，作品的结局如何，创作者根本不去计较；有的则只是把艺术当做陶冶性情、锤炼意志的手段；有的确实只是为了自我赏析、自我娱乐和玩味而创作或生产的（像一些自娱自乐式的创作）；有的希望“藏之名山传之后世”，不想为时人所知晓；有的或是已经脱离作品的原始意义，被升华为某种仪式……这些艺术品，不一而足，它的创作和生产目的都不是为了在市场上同其他产品进行交换，其结果也没有表现出商品的交换形式，因此也就不能当做商品来对待。这是在研究艺术商品时，应该特别注意的。
作为商品的艺术，有着与一般商品共同的社会表现形式，或者说，因为艺术产品具有一般商品的共性特征，我们才把它当做商品。
首先，艺术产品作为艺术劳动的成果，总要附着于一定的物，归根到底要体现为某种物质形式。商品虽说不是物，但总是与一定的物质形态相联系；只有附着于一定的物质形态，才能形成交换的基础。作为哲学意义上认知手段的艺术，是一种观念和理论上的、空泛的、看不见摸不着的东西。我们无法拿它去跟别的产品进行交换，自然也就不能把它当成商品。事实上，人们的艺术思想、艺术主张、艺术评判等，总是需要通过一定的形式（通常是以作品或产品的方式）体现出来。这种艺术的物质体现形式，同时也构成了艺术的商品基础，产生了交换的可能性。也就是说，只有当艺术劳动形成产品（作品）后，才有可能成为商品。艺术商品同一般商品相比，除了劳动对象、劳动手段、产品形态不同外（其实这也是不同商品间的共同差异，正因为存在这种差异，一种商品才能跟另一种商品区别开来），从作为商品的角度看，两者之间没有什么本质不同。
马克思在《剩余价值论》中把艺术产品分成两类，一类是“具有离开生产者和消费者而独立的形式，因而能在生产和消费之间的一段时间内存在，并能在这段时间内作为可以出卖的商品而流通，如书、画以及一切脱离艺术家的艺术活动而单独存在的艺术作品”；另一类是“产品同生产行为不能分离”的艺术作品，如表演艺术等。马克思之所以把艺术产品划入非物质生产领域，并非是要否定该类产品的物质性，而在于强调它不是满足人们的物质需求的产品。因为无论是哪一类艺术品，最终还是要体现于一定的物。如表演艺术也总要借助于表演环境、道具、演员的形体动作等，这些都属于物质的范畴。即使我们看不见、摸不着的音乐艺术，其声音也要通过一定的物质才能传播。如果把这些物质因素撇开，很难想像它是什么样子。
其次，艺术商品是用来满足人们的精神需要的，主要是用来愉悦身心、陶冶情操、调整情绪、恢复与蓄积新的劳动势能等，同样具有使用价值。
商品存在的前提，是因为它对人们有用，即它具有一定的使用价值。艺术商品的使用价值体现为能够满足人们某种精神方面的需要，能够使人得到精神的愉悦和快慰。生活于社会的人，都有物质和精神两方面的基本需求，在追求维持自身生存的物质满足的同时，也在寻求着精神满足。人类向往美的天性和愿望，培育了艺术的沃土。因为艺术的创造总能带给人身心的愉悦和快慰。原始艺术阶段，艺术创作（准确地说应是娱乐活动）经常是自娱自乐式的自我创造和自我消费。人们对艺术的要求不高，即使是非常简单和粗陋，也能给人带来身心的愉悦。随着社会的发展，人们审美能力和水平越来越高，自我创造常常不能满足自己艺术鉴赏的要求，于是就向社会去寻找美。而最简便的方法，就是用自己的劳动产品同别人进行交换，或者说去到市场上购买“美”。艺术商品的有用性，不仅是与其他商品交换的基础，客观上也刺激了艺术市场的发展，使得拥有较高的艺术劳动技能、专事艺术生产的人有了把个人劳动变成社会劳动的可能。艺术商品的使用价值，也就形成了它的交换价值的基础。
当然，艺术商品使用价值的表现形式与一般商品是有区别的。一般商品的使用价值总是与它的物质形态密切相关，当谈到其使用价值时，也就指的是物本身。而艺术商品的使用价值的外部形式虽说是一定的物，但其实质内容却是隐藏于物的背后的艺术审美体验，能够通过人脑的作用，变物质为精神。使用价值的形式与内容呈现游离状态，是艺术商品的独特现象。
再次，艺术商品的价值，是艺术创作过程即艺术劳动在产品中的凝结，同一般商品一样，是一种物化了的劳动。
艺术产品要同其他产品进行交换，势必也应有一个量的尺度，这个尺度就是价值。艺术商品的价值，是凝结在产品中的艺术创造的一系列活动，包括创意、选材、构思、艺术提炼、形象塑造、传达情感、结构作品、运用技巧，等等。这些创作过程，虽然没有以物质的方式体现，但却蕴涵凝结在物质产品之中，对一个艺术作品（产品）质量的高低、价值的大小等起着决定性作用。这种掩蔽于作品背后的艺术劳动，既是商品的实质内容，也是商品参与市场交换的价值尺度的依据。一个艺术品所蕴涵的这种劳动越复杂，其价值就越大，反之就越小。一切艺术产品，无论劳动简单或者复杂，规模大或者小，都是某种艺术劳动的结果，体现着艺术劳动者的艺术创造过程。即使是“纯天然”的物质艺术品，像捡来的石头、树根、珊瑚、贝类等，也同样包含艺术的劳动过程，即一种独特的艺术发现。“发现”本身也蕴涵着一种创造，所以也同样具有价值。
然而，艺术的价值问题，又是一个非常复杂的问题，比如艺术价值实现方式的独特性、艺术产品的文化转换与沉淀、价格与价值的严重错位与背离现象、艺术品的现实价值与历史价值的关系等，很难用一两句话说清楚，都需专门撰文论述。但艺术商品的价值，最终还是像马克思所说的那样，是由生产这一商品的抽象劳动所决定的。
最后，艺术商品有着与一般商品共同的、赖以产生的社会基础。
艺术商品，归根到底是社会化分工的产物。经过原始人类的长期积累，社会出现了剩余产品，也就出现了交换，又因交换刺激了人们尽量多的去占有社会财富的欲望。于是，拥有一技之长的人就充分利用自己的优势，尽可能多的生产所擅长的劳动产品。然后，通过交换，换回个人想要的东西，达到聚敛财物的目的。正是这种利益的驱动，使得一部分掌握艺术劳动技能的人从物质生产劳动中分离出� 他们进行艺术生产的目的不是为了自己享用和占有这些产品，而是为了进行市场交换，通过交换换取生活的物质必需品和用于艺术再生产的物质资料，达到积累资源、扩张经济实力、提高生存质量的目的。由此可以看出，经济力量是社会化分工的直接动因；艺术创作职业化，是艺术商品赖以发展的社会基础。从我国历史上看，由于商品经济发展比较迟缓，所以，艺术的职业化进程也相对缓慢，到唐朝“安史之乱”后直至北宋中叶才有了较大的发展。
社会化分工，职业艺人出现，一方面促进了艺术市场与艺术产品交换的蓬勃兴起，另一方面也迅速提升了艺术的创作水平，艺术的繁荣发展也驶上了快车道。
总而言之，艺术产品作为商品，是一种是实实在在的社会现象，对这种现象，我们既不能夸大，也不能否认，应该实事求是地进行评价。市场交换是艺术品是否商品的重要前提；承认艺术产品的商品性，并不等于否认艺术另一方面的价值和作用。
二
以上是从商品的共性方面对艺术商品进行分析，但是艺术产品毕竟是一种精神劳动产品，与一般物质商品相比，它具有独特的质的规定性。如果忽视这个问题，我们同样会陷入机械的、形而上学的理论和认识误区。
（一）与一般商品相比，艺术商品的消费结果不同；艺术的消费过程是一个由物质到精神的转换过程
—般物质商品的消费，是以该商品的磨损、消耗、转移或是灭失为前提的；只有当该商品被全部损耗或灭失，或是转移为另一种物质形态后，它的价值才能全部实现。换句话说，一般的物质商品，其使用价值一旦丧失，其价值也就随之丧失。它的价值总是跟它的物质外壳形影相随，同生共灭。比如，我们购买一只杯子，它的价值的全部实现是以破碎为前提的。杯子一旦碎了，它也就不在有什么价值。而艺术商品则不然。它的消费过程，实际上是实现了一个由物质到精神的转换过程。在艺术消费过程中，我们总是选择其中那些有益于自己精神需要的东西，经过反复的品味、咀嚼、消化，以记忆、联想、类比、推理等形式存储于人脑，形成一种文化沉淀或精神文化形态，潜移默化地影响人们的思维和行为方式；有时这种文化沉淀会深入骨髓，嵌入灵魂，成为人一生行动的指南和与人、与社会交往的准则。尽管作为商品的物质外形已经消解，但它的价值却一直在延续着，有时甚至还呈现出扩大和膨胀的态势。例如，我们购买一部文学作品，作为作品的物质形态——用纸张印刷、装订成册子的出版物，它无疑是一种商品形式，而且随着时间的推移，总有一天会腐烂掉。而当我们阅读作品时，一旦作品中的文字变成形象时，其商品意义就会退居为次要方面，我们更为关注的是人物、故事、悬念、情感、伦理等，从物质到精神的转换过程也就开始了。艺术产品的这种强大的社会功能，是任何其他商品所不能比拟的。20世纪50年代，我国流传的许多优秀文学作品像《钢铁是怎样炼成的》、《青春之歌》、《红岩》等，影响了一大批热血青年，奠定了他们终生的事业基础和人生道路。也正是从这个意义上，党和国家文化主管部门才一再要求艺术产品一定要把社会效益放在首位。
（二）艺术消费的过程，始终伴随着消费者的再创作过程
一般商品的使用价值，其“用”的指向性是相对稳定的，使用方向不会有大的变化，购买后只需按产品说明使用即可，无须画蛇添足的再另外加以重新改造。而艺术商品则不然，如果不经过消费者的再创作过程，它的使用价值就无法体现，消费也就不能完成。无论是直观的视觉形象（绘画、造型艺术、舞台艺术、影视等），还是文学及听觉形象（小说、诗歌、音乐等），都离不开消费者的再创作过程。所不同的是，前者在消费、鉴赏过程中，主要借助于分析、推理、演绎、判断等抽象的逻辑思维方法，后者则主要借助于联想、想像、情感、体验等形象思维方法，二者是一个逆向互动的活动轨迹。
由于再创作过程需要以消费者自身的社会阅历为基础，又由于艺术产品是思维、创造、历史、文化与评判的凝结，蕴涵和携带着非常丰富的社会信息量，使艺术消费的结果呈现出复杂的、多元的文化价值取向，突出的表现是：不同人欣赏同一部艺术作品，会由于地域、种族、文化程度、鉴赏水平、审美经验等方面的差异得出不同的结论，产生不同的效果（一千个读者心中有一千个哈姆雷特）。即使是同一个人欣赏同一部艺术作品，也
（三）艺术价值与价格的严重背离及错位
一般商品的价格，受供求关系的影响，总是围绕价值上下波动，能够近似的反映产品的价值。艺术产品以商品形式出现后，却常常出现价值与价格间的倒挂现象，有时甚至十分严重。如马克思在《剩余价值理论》一书中提到的弥尔顿出于“同春蚕吐丝一样的必要而创作”的《失乐园》，只得到了五个英镑，而忸怩作态的流行歌星的几分钟的低劣演唱，报酬却动辄数万元，其价值与价格的背离程度，是何等惊人！这种现象的形成，大概有这样几个原因：一是对优秀艺术作品价值的认识需要一个过程，有时甚至需要一个较长的过程。二是在市场交换的环节，艺术家的劳动常常被艺术掮客和出版商人无情的刻意剥夺了。三是作为意识形态的艺术作品，有时与居于统治地位的主导思想发生冲突，其价值暂时得不到正常的实现途径。因此，在讨论艺术品的价值时，经常出现截然不同的意见和看法，恐怕这也是人们否认艺术的商品性的一个重要原因。
但是，这种现象毕竟是暂时的，真正具有较高价值的艺术作品，不管受到多么不公正的待遇，不管它被埋没的时间有多么久远，终究会将它的价值体现出� 有的艺术品甚至可以体现出类似货币的贮藏手段功能，成为财富和资本的象征，也被一些人用�
（四）艺术商品的价值不能简单地用社会必要劳动时间来量度
商品的价值是人类一般劳动的凝结，其价值量的大小由生产商品所耗费的劳动量来决定。但生产同一种产品的生产者不止一个，有时甚至是成千上百个，由于生产条件、技术水平、劳动强度不同，他们生产同一种商品的时间也不同。所以，产品的价值不能由生产商品的个别劳动时间来决定，而应该由生产商品的必要劳动时间——即由“在现有的社会正常的生产条件下，平均的劳动熟练程度和劳动强度下制造某种使用价值所需要的劳动时间”来决定。由此可见，社会必要劳动时间存在的意义，在于很多生产者都在制造同一种使用价值（商品），彼此又耗费了不同的劳动时间。这是一般商品生产的普遍情况。而艺术商品的价值却表现出一种特殊的价值倾向。它的使用价值是用来满足人们的审美需要的，而且，人们的审美需求总是在不停的发展变化着，总不满足于一般的、公式化的、陈陈相因的表达和叙述方式。因此，追求新、奇、美，成了艺术鉴赏的主要倾向。艺术消费的这个特点，势必要求艺术生产必须保持独特性和多样性。事实上，除了艺术的体裁（形式和类别）会在一定时期表现出相对的稳定性外，人们对每一部艺术品的内容、表达方式、艺术技巧、艺术风格、作者的主观评价等都有发展、变化、创新的客观要求。有一句名言：第一个把女人比做鲜花的人是聪明人，第二个把女人比做鲜花的人是蠢人，第三个把女人比做鲜花的人是白痴。这句话非常形象地说明，艺术作品要保持鲜活与生动，就必须具有独创性。独创性是衡量艺术品价值高低的惟一尺码，越是具有独创性地作品，即越是具有较高的艺术劳动独特性蕴涵值的作品，其价值就越高，反之就越小。雷同、抄袭、亦步亦趋式的作品，既没有艺术价值，也没有商品价值。所以，从这个意义上，人们才说“艺术无价”、“艺术贵在独创”。因此，也就不能简单地用社会必要劳动时间来度量艺术商品的价值。
进入� 那么，此时艺术商品的价值表现方式是不是同上面所述有所不同呢？笔者上面说过，作为艺术产品的载体或者说它的物质外壳，与一般商品相比，没有什么本质区别。但对于艺术商品的购买者来说，他买的是物，而用的（赏析的）是掩蔽于物的形式之下的艺术形象，“物”与“用”之间已经产生了转移。作为“物”，可以把它与一般商品同等看待，但作为商品的“核”的艺术范畴（使用价值），仍然是满足人们的精神需求的。因此，即使作为工业品的艺术，与一般商品的价值表现还是不同的。
三
在把艺术同商品进行联系的过程中，常常会碰到一些人为障碍，从而影响到我们对艺术商品进行正确地把握和科学地分析。因此，我们研究艺术商品，必须要克服几种倾向，摆正几个关系。
第一，要科学划定艺术商品的范围，把用于交换的艺术产品同非用于交换的艺术品区分开来，不能由于艺术创作存在非商品因素，就根本否认艺术品的商品性，也不能由于艺术产品具有市场交换的属性，就把艺术品与一般商品等同起来，否认艺术创作的非商品的一面。
根据马克思的商品理论，其实本来可以很容易做到对艺术商品进行科学的定性分析。然而，多年来我们却一直不敢触及或是在有意回避这个既抽象又具体、既复杂又简单、既虚泛又实在的问题。原因恐怕有这样几个：一是理论障碍。因为马克思在研究商品问题时，没有或是很少研究艺术产品的商品现象，我们缺少可靠的、令人信服理论依据。二是政治心理障碍。出于某种功利性目的或是一种惯性思维，故意掩饰或排斥艺术品应有的商品地位。三是情感障碍。认为艺术劳动是高雅的、圣洁的，商品是低俗的、肮脏的，不愿意把二者联系起来；或是习惯了养尊处优的历史地位，不愿意让人把自己推向市场，便极力否认艺术创作的商品性，从而掩饰自己在市场竞争中的拙劣与平庸。这些问题，都是在研究艺术商品时首先需要克服的。
第二，要科学分析艺术的不同概念之间的内涵与外延，种属概念的意义指向的差异性，不犯逻辑混乱和偷换概念的错误。
有时候，我们会自觉不自觉地把作为种概念的艺术同其属概念如艺术活动、艺术作品等互相混用和替换，或是不去区分艺术各属概念间的细微差别，造成因偷换概念形成的逻辑错误和是非不清。在艺术这个大家族中，一些概念既互相联系，看似相近，却又有许多细微的差别，有时甚至属于本质差别。为了区分这些差异，我们赋予它们不同的概念和含义。比如，艺术与艺术作品，前者是认知方法，后者是艺术劳动的结果；前者是抽象的，后者是具体的。艺术劳动与艺术生产，前者泛指一切具有艺术创造性的活动，包括个体和集体劳动，而后者更侧重于表示目的性较强的集体劳动。再如，艺术作品与艺术产品，前者侧重指以作品形式出现的原创性的艺术成果，而后者则侧重指经过工业化及其类似过程生产的、以各种物质或准物质形态出现的、突出体现某种特定社会关系的艺术生产结果。有些时候，我们不十分注意对这些不同的艺术现象进行认真的区别和划分，在研究一般艺术问题时，也经常把许多原本有很大差别的概念有意或无意地混用和替换，导致因偷换概念造成的逻辑混乱和歧义。特别是当我们把艺术同商品进行联系的过程中，更是要注意各个概念之间的差异，否则，将给研究艺术商品带来许多麻烦。
第三，要正确分析以某种形式掩盖和伪装下的艺术商品的转换形态。
艺术商品的第一种形式是以艺术劳动力的人身依附形式所确立的艺术劳动产品的交换关系。由于艺术所具有的认知、审美、评价、舆论引导、情感塑造等社会作用，历来被统治阶级作为国家机器的有机成分，作为从意识形态领域控制人的精神世界的必要手段。他们最常用的方式就是对拥有艺术劳动技能的艺人进行人身控制，通过限制创作自由来引导艺术的生产方式和艺术的产品向有利于统治舆论的方向发展。作为劳动的报酬，他们支付给劳动者一定的生活必需品（有时以俸禄或薪水方式体现）。而这种劳动报酬的实质，则是统治者通过赋税方式，无偿占有的其他劳动者的劳动果实。这里所发生的交换，不是生产者之间出于自身生存和生产的需要自愿发生的，而是在统治者的干预下进行的，而且一大部分艺术劳动产品被统治阶级从中占有了。艺人也因此对国家形成了一种依附关系。这是封建社会以往艺术产品交换的一种特殊形式。